Crítica teatral: "El cabeza de piedra Lope de Aguirre"

El cabeza de piedra Lope de Aguirre

Por Bruno Mateo

 

En el teatro Nacional de la esquina de Cipreses en Caracas  durante los días 10 y 11 de noviembre de 2012 se presentó “La colección del peregrino” original de  Daniel Di Mauro, montaje teatral de la compañía nacional de teatro en coproducción con El Teatro Estable de Muñecos del estado Portuguesa (TEMPO), trabajo escénico que combina muñecos con actores y cuenta con la participación del veterano actor Aníbal Grunn (Actor invitado de la CRTP).

La puesta en escena es una “tragedia  sórdida en ocho partes,” así se acota en el programa de mano, de la vida de Lope de Aguirre, o mejor conocido como el tirano Aguirre, un personaje español venido a América en el siglo XVI con la idea de conquistar el “nuevo mundo” en nombre del Rey Felipe II, quien decide entrar al negocio de la venta de plata, por lo que es  acusado de violación a las leyes de encomiendas y sentenciado a cien latigazos en plaza pública. Entonces decide asesinar al juez que lo condenó, razón por la cual es sentenciado a muerte. Pasa seis años huyendo por el Perú  como un peregrino hasta que acepta la expedición de ir en busca de El Dorado con tal de que se le conmute la pena. Aguirre comienza la empresa de buscar el pueblo de oro de los cuentos indígenas de estas tierras. Lleva consigo a su hija, el único ser a quien amó. Durante la travesía de rebela contra el Rey, así,  asesina a su comandante en la expedición y a su amante. Desde ese momento empieza la macabra colección de cabezas de todos sus muertos hasta que llega a la Isla de Margarita en Venezuela, de allí huye al Tocuyo donde se siente agotado. Sabe que pronto lo van a  matar por lo que decide clavar un puñal en el pecho de su hija para no dejarla sola. Es asesinado por uno de sus hombres. Lope de  Aguirre se convierte en una tenebrosa leyenda.

El montaje, básicamente, expone la vida de Lope de Aguirre, interpretado por Aníbal Grunn  quien hace gala de su veteranía y hace una correcta, técnicamente hablando,  interpretación del personaje.  Las escenas se alternan con títeres  quienes agregan un elemento de alivio dentro de la densidad dramática del trabajo. Los muñecos y máscaras en escena son un acierto en tanto sirven de elementos relajadores. La joven actriz Karelis Salazar quien interpreta a Elvira, hija de Lope, posee una imagen fresca, logra ciertos momentos de sinceridad en el escenario.  La escenografía es un trabajo muy bien elaborado que cumple distintos usos en el escenario desde un barco hasta un teatrino. La iluminación posee un estilo expresionista. Los claroscuros son muy importantes para lograr la  atmósfera lúgubre de la vida misma de Aguirre. La voz en off de Daniel Di Mauro  es una especie de coro griego, una especie de conciencia que intenta, fallidamente, llamar la atención de Lope de Aguirre quien en realidad es un “cabeza de piedra” cuyas malas  acciones lo condenan  al purgatorio de la historia de los pueblos americanos.

“La colección del peregrino” es un buen trabajo escénico histórico. Aquí hay que acotar que la dramaturgia de Di Mauro respetó los datos históricos de la vida del tirano español por lo que  lo hace  un espacio muy educativo sin dejar de ser un símbolo estético. El montaje es  consecuente con la misión del grupo cuya premisa del artista como un ser que no es sólo responsable de crear, sino también de ejercer una labor pedagógica a través de sus trabajos.

 

 

 

 

Mi "miga" el dragón

Mi “miga” dragón.

Por Alexis Alvarado (Bruno)

 

 

Obra: El último dragón

Autor y dirección general: José Luis León.

Grupo: Centro de actividades alternas en coproducción con la Compañía nacional de teatro.

Lugar: Teatro Nacional. Esquina de Cipreses. Caracas.

Fecha: Sábado 27 de octubre de 2012

 

El MPP Cultura, a través de la Compañía nacional de teatro, trae dentro del proyecto Teatro para todos los venezolanos 2012, la producción para niñas y niños EL ÚLTIMO DRAGÓN de manos del Centro de producciones de actividades alternas escrita y dirigida por José Luis León con las actuaciones de Laura Meza, Ariana León, Ismael (Chino) Monagas,  Francisco (Paco) Díaz, Zammy Jiménez y Valentina Cabrera en los dos últimos fin de semana del mes de octubre.

El montaje es dinámico. Las y los niños se involucraron durante toda  la función. Las actuaciones del elenco son  enérgicas y llenas de pasión. Cabe destacar que el grupo de comediantes jugaron en el escenario, base fundamental para creerse lo que hacen. Cada personaje logra enganchar en el público presente. Nos creemos sus personajes. Es interesante ver el vuelco que le dan a la imagen del dragón al que nos tiene acostumbrado el cine norteamericano.  El dragón es hembra. No es un ser maligno, todo lo contrario es noble y cuando se encuentra con Mariana, la protagonista de la historia, no es para comérsela, como sería lo recurrente, sino para convertirla en su “mi miga” (amiga). Es una dragona muy simpática que se pregunta la razón por la cual los seres humanos matan a su especie, es decir por qué han matado la imaginación ya que ella es la única que está viva de su especie.

En cuanto a las actuaciones, puedo acotar que lograron la verosimilitud del escenario. La abuela interpretada por Laura Meza Rada es bien singular. Una señora media sorda  a principio del montaje. Por cierto, deben cuidar un poco esta condición porque se desaparece durante la escena que se supone que es sorda. La abuela es muy agradable y la actriz utiliza su veteranía para construir el carácter simpático de la doña.  Ungenio  interpretado por Ismael (Chino) Monagas es un personaje sin carácter. No toma decisiones. Se deja llevar por las circunstancias.  El actor usa muy bien la gestualidad en la cara. El maquillaje de Federico Valbuena contribuye enormemente a la gestualización  y caracterización de los personajes. Monagas logra un genio bonachón con mucha empatía con el público. “Mariana”, ejecutado por Ariana León, es una niña al borde de ser adolescente. Está bien  llevado. Logra las transiciones de niña dulce a mujer que toma decisiones. “Mariano” interpretado por Zammy Jiménez es un personaje sin carácter, miedoso que quiere ser valiente y que logra serlo sin que él se percate de ello. Jiménez posee una corporalidad audaz con la técnica del payaso. Logra calzar en  las niñas y niños de inmediato. ¡Bravo por su actuación! Una mención especial para los actores Francisco (Paco) Díaz en su papel del “gigante” Alfajor y Valentina Cabrera en su divertida interpretación del dragón, más bien dragona. Ambos le dan una peculiaridad que los hace brillar en el escenario. Están muy claros con sus personajes. Se divierten en las tablas. Dejan que la organicidad haga fluir sus palabras, movimientos y gestual. ¡Felicitaciones para ambos!

Para resumir, me pareció un buen trabajo de dirección y de actuaciones. El texto está muy bien escrito y lleva una historia dramática identificable con el viaje como elemento estructurador, sin embargo, y esto es una posición muy personal, me gustaría que el teatro venezolano hecho para niñas y niños  estuviera más cargado de identidad nacional. Que los dramaturgos investiguen en la cultura sincrética y originaria de Venezuela. Estoy seguro de que se sorprenderían con la riqueza, la diversidad cultural que nos caracteriza y, ojalá,  dejáramos descansar a los duendes, princesas y dragones europeos por un buen tiempo.

Ellas son las más fuertes.

Ellas son las más fuertes.

Por Bruno Mateo

Caracas, 2 de julio de 2012

Dentro del XI Encuentro de institutos de formación teatral se presentó el domingo 1 de julio de 2012 a las 3 pm en el Teatro Nacional en Caracas, la pieza La más fuerte de August Strindberg (Estocolmo 1849-1912)  proyecto llevado a cabo por el recién y felizmente aparecido grupo Las tres gracias conformado por actrices egresadas de la Escuela nacional de artes escénicas César Rengifo y de la Ucv. Esta pieza de dos personajes femeninos-solo una habla, “Señora X”; la otra escucha, “Señora Y” (Amelia) nos muestra cómo las relaciones amorosas entre tres puede perjudicar la vida de los involucrados. La relación triangular: dos mujeres, un hombre. La mujer que habla se refleja en la mujer que escucha. Al final, las dos son víctimas de su condición de ser mujer. Mujer destinada, al momento en que se escribió el texto acaso no en este momento histórico en que vivimos, a complacer al hombre.

            La puesta en escena y dirección general de Sheila Colmenares es atrevida. Atrevida en tanto tropicaliza una obra sueca con elementos propios de nuestra identidad: el bolero, el chiste que esconde el juego verbal sexualizado de los latinoamericanos, la voluptuosidad de las mujeres. La puesta es una especie de híbrido. Una mezcla de técnicas de actuación: la organicidad, el varieté, la interacción directa con el público, los movimientos propios de la biomecánica, todos con los boleros de La Lupe cantados  en vivo.  El montaje pasa de la comicidad;  de la diversión al drama; de la cantante simpática  a la mujer amante de un hombre casado envuelta en su propia baja autoestima; de la mujer irónica a la mujer rabiosa por estar atada a un hombre que no la ama. Es un trabajo muy rico en matices. Tal vez, no apto para ojos puristas del teatro. A aquellos espectadores acostumbrados al género natural y gracioso del teatro les chocará el montaje.

            En cuanto a las actuaciones, Estephanie Carrizales, quien interpreta a la “Señora Y (Amelia)” desbordó sensualidad en el escenario. Su voz sonora y melodiosa quedó en perfecta armonía con la cadencia del bolero. Sus reacciones frente al monólogo de la “Señora X” fueron espontáneas y coherentes con las palabras oídas. Muy buena su interpretación. “La Señora X” fue desarrollada por Vanessa León. Su interpretación estuvo muy acorde con la puesta. No era la típica mujer sufrida. Era una mujer voluptuosa que viene a reclamar, irónicamente al principio , a la amante de su esposo, pero después vemos cómo se transforma en una mujer con mucha rabia contenida. Su voz se escuchaba fuerte y contundente en todo el teatro. Ambas interpretaciones son dignas de admirar.

            Concluyo, invitando al grupo Las tres gracias que continúen el duro sendero del teatro. Les aseguro que comenzaron con buen pie.

ORQUESTA SINFÓNICA DE VENEZUELA PRESENTE EN EL XVII FESTIVAL LATINOAMERICANO DE MÚSICA

Andrés Eloy Rodríguez

ESTE JUEVES 24 DE MAYO A LAS 8 P.M. EN EL TEATRO DE CHACAO
ORQUESTA SINFÓNICA DE VENEZUELA PRESENTE EN EL XVII FESTIVAL LATINOAMERICANO DE MÚSICA

• LA ORQUESTA SINFÓNICA DE VENEZUELA, PATRIMONIO ARTÍSTICO Y CULTURAL DE LA NACIÓN, SE PRESENTARÁ CON UN ESPECTACULAR CONCIERTO BAJO LA BATUTA DE SU DIRECTOR ARTÍSTICO THEODORE KUCHAR Y CON LA EXQUISTA PRESENCIA COMO SOLISTA DE JANA  BUŠKOVÁ, UNA DE LAS MEJORES ARPISTAS DEL MUNDO, COMPARTIENDO ESCENA CON EL COMPOSITOR Y FLAUTISTA ANDRÉS ELOY RODRÍGUEZ, QUIEN ESTRENA MUNDIALMENTE UNA OBRA DE SU AUTORÍA

• SERÁ UNA NOCHE DE ESTRENOS MUNDIALES CON UN REPERTORIO MAGNÍFICO COMPUESTO POR OBRAS DE FEDERICO RUIZ, ANDRÉS ELOY RODRÍGUEZ, SAMUEL ROBLES Y ALBERTO GINASTERA.

• LA ENTRADA TIENE UN COSTO DE BS. 50 Y PUEDE ADQUIRIRSE EN LAS TAQUILLAS DEL TEATRO DE MARTES A DOMINGO DE 10:00 AM A 7:00 PM O TRAVÉS DE WWW.TICKETMUNDO.COM

CONTACTOS PARA COORDINAR ENTREVISTAS:
• ALEJANDRO MONTES DE OCA, PRESIDENTE DE LA SOCIEDAD OSV: 0412-6234974, 0212-5781266
• ALFREDO RUGELES, DIRECTOR ARTÍSTICO FESTIVAL LATINOAMERICANO DE MÚSICA: 0412-3215285

Caracas. Especial. La Orquesta Sinfónica de Venezuela, Patrimonio Artístico y Cultural de la Nación, se une a la celebración del XVII Festival Latinoamericano de Música, el cual por 10 días estará presentando 18 conciertos en diversos espacios culturales de la capital, tales como la Sala Simón Bolívar y en la Sala Fedora Alemán del Centro de Acción Social por la Música (CASPM), el recién estrenado Teatro de Chacao y el Teatro Municipal de Caracas.

La Orquesta Sinfónica de Venezuela, como pionera y motivadora del movimiento orquestal venezolano, se une a esta gran fiesta que colmará musicalmente a Caracas, presentándose el jueves 24 a las 8:00 p.m. en el Teatro de Chacao, bajo la conducción de su director artístico Theodore Kuchar –por primera vez presente en este festival-, contando con la presentación de la solista Jana  Bušková, arpista de reconocida trayectoria internacional que ha conquistado con su exquisitas interpretaciones las mejores salas de conciertos en todo el mundo y quien se ha presentado con artistas de la talla de Mstislav Rostropovich, Yuri Bashmet, Patrick Gallois, Maxim Vengerov, Janne Thomsen, Sharon Kam, Christian Tetzlaff y Gustav Rivinius, entre otros. Igualmente, el flautista y compositor venezolano Andrés Eloy Rodríguez, integrante de la fila de flautas de la OSV quien intervendrá en el rol de solista en una obra de su propia autoría, en calidad de estreno mundial.

Procedente de la República Checa, Bušková es la única arpista checa que ha logrado los más altos premios de los concursos más prestigiosos del mundo: la Medalla de Oro en el Concurso Internacional de Arpa de los EE.UU. y el Segundo Premio del Concurso Internacional de Arpa de Israel. Entre los numerosos premios que obstenta se incluyen los del Concurso Internacional de Música de Cámara de París, (1989, en un dúo con la flautista Janne Thomsen). Ganadora del primer premio de la edición 1999 del Torneo Internazionale di Musica en Italia. Sus logros como concertista y la contribución al desarrollo de la ejecución del arpa le valió el Harpa Award 1999 en Suiza. Además de lo anterior, se convirtió en Artista Laureado del Festival Juventus en Francia. En este país, recibió en 1996 el premio Talento del Año, y en 2002, el premio del Consejo Musical de la República Checa por sus méritos en la difusión de la música checa y por la representación de arte checo en la escena internacional. Como una de las diez mujeres más distinguidas de la República Checa, es la primera intérprete de música clásica instrumental en recibir el premio Lady Pro, el cual le fue  entregado en presencia del Presidente de la República Vaclav Klaus, en el Salón España del Castillo de Praga, en el otoño de 2004. Cuenta con más de 20 discos en su haber y además es frecuente su aparición en radio y televisión. En sus conciertos utiliza un arpa construida especialmente para ella por la firma norteamericana Lyon & Healy, la cual obtuvo como premio en el Concurso Internacional de Arpa de Estados Unidos en 1992.

ESTRENOS MUNDIALES CON SABOR VENEZOLANO Y LATINO

Este concierto de la Orquesta Sinfónica de Venezuela marca el regreso de la OSV, La Sinfónica a las ediciones del Festival Latinoamericano de Música y lo hace en grande. Esa noche se estrenan las obras de los compositores venezolanos Federico Ruiz y Andrés Eloy Rodríguez y además, del panameño Samuel Robles. También para completar el repertorio se ejecutará el Concierto para Arpa Op. 25 del compositor argentino Alberto Ginastera. El XVII Festival Latinoamericano de Música cuenta con la dirección artística del Maestro Alfredo Rugeles y la dirección Ejecutiva de Diana Arismendi.

Federico Ruiz es un destacado compositor proveniente de la Escuela Superior de Música José Ángel Lamas de Caracas. Ha compuesto música sinfónica, de cámara, electroacústica, Lieder, obras corales, las óperas Los Martirios de Colón y La Mujer de Espaldas, música para cine, televisión, teatro, música al estilo popular. Ha obtenido numerosos reconocimientos, que incluyen Premios Nacionales y Municipales de Composición y por sus trabajos para cine y teatro. Su lenguaje musical se nutre tanto de la tradición europea como de la corriente nacionalista venezolana, de las técnicas europeas contemporáneas y de la música popular de América Latina y el Caribe. En esta oportunidad presenta Invención, una obra escrita para orquesta sinfónica en 2007 y dedicada al Maestro Alfredo Rugeles, con motivo de la celebración de sus 25 años de carrera como Director de Orquesta.

Andrés Eloy Rodríguez es Licenciado en Música del Instituto Universitario de Estudios Musicales y Magíster en Música de la Universidad Simón Bolívar. Flautista, compositor, arreglista y docente. Ganador en el 2004 del Festival de Solistas “Aldemaro Romero”, en la primera versión de este festival en Venezuela. Premio Municipal de Música 2010, mención Obra Sinfónica Breve, Premio “Modesta Bor”, con su obra Episodios Rituales (2006). Como compositor ha explorado distintos formatos tanto para música de cámara como para orquesta sinfónica, así como también diversos estilos de composición. Sus obras han sido estrenadas por agrupaciones como la Orquesta Sinfónica de Venezuela, La Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas, Orquesta Nacional de Flautas de Venezuela, y por connotados intérpretes locales. Profesor de las Cátedras de Flauta y Música de Cámara de la Maestría en Música de la Universidad Simón Bolívar y de la Academia Latinoamericana de Flautas. En esta oportunidad estrena mundialmente su Concierto Nº 2 para flauta y orquesta (2010), concebido como una suerte de “recuento”, refleja muchas de las influencias recibidas a lo largo de estos últimos quince años de ejercicio de la profesión, tanto a nivel de estudios formales, como de influencia extra-académica.

Samuel Robles, panameño, es uno de los más activos directores y compositores jóvenes de Panamá. Como director, Robles ha actuado con orquestas a lo largo de América, incluyendo la Orquestra Sinfônica da Bahia, Sinfónica Nacional José Artigas del Uruguay, la New England Conservatory-Youth Philharmonic, Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz, Sinfónica de Orizaba, y la Sinfônica Juvenil da Bahia. Ha compartido escenario con solistas tales como el contratenor Ryland Angel, las soprano Anna Noggle, los cellistas Miguel Ángel Cegarra, el violinista Eddy Marcano y la contralto María Cecilia Prado, entre otros. Sus composiciones han sido interpretadas por orquestas, solistas y grupos de cámara destacados en América, Europa y África, entre ellos Pacifica String Quartet, La Orquesta Sinfónica Nacional de Panamá, el clarinetista Michael Macaferri (eighth blackbird), la reconocida clarinetista Ana Catalina Ramírez y la Sinfónica Juvenil del Estado de Veracruz. Robles es además escritor ganador de varios premios nacionales y ha sido publicado por el Instituto Nacional de Cultura, Fundación Signos y Ediciones El Duende Gramático. Para este concierto presenta su obra Zafra, de 2005, inspirada en la difícil vida de los trabajadores de la Zafra de la azúcar en Panamá: hombres, mujeres y niños sin nombre, que aparecen al inicio de la temporada de cosecha para perderse nuevamente a su término en las montañas de la Cordillera Central.

ORQUESTA SINFÓNICA DE VENEZUELA, ALMA DE NUESTRA HISTORIA MUSICAL.
HAZTE FAN: SEMANA A SEMANA

Orquesta Sinfónica de Venezuela (OSV): Patrimonio Artístico y Cultural de la Nación, con el apoyo del Ministerio del Poder Popular para la Educación. Creada en 1930 como la primera orquesta sinfónica de nuestro país, por el Maestro Vicente Emilio Sojo, es también la primera orquesta fundada en América Latina. Conocida como La Sinfónica, se considera la cuna del movimiento sinfónico que posicionó a nuestro país como potencial musical de referencia mundial.
Facebook: Orquesta Sinfónica de Venezuela. Twitter: @SinfonicadeVzla, Youtube: SinfonicadeVenezuela, Página Web: www.osv.org.ve, Teléfonos: (58212) 578.12.66 / (58212) 578.28.45.  Fax: (58212) 578.07.74

MÁS SOBRE EL MAESTRO THEODORE KUCHAR
DIRECTOR ARTÍSTICO DE LA ORQUESTA SINFÓNICA DE VENEZUELA

Theodore Kuchar es uno de los directores de orquesta del mundo que ha realizado más grabaciones superando los 100 discos compactos realizados en importantes sellos como: Naxos, Marco Polo, Brilliant Classics y Online Labels. Sus numerosas grabaciones han recibido los mejores juicios críticos por la calidad de sus interpretaciones incluyendo los premios: “Disco del Año” de Chamber Music América, “Mejor Grabación del Mes” de la revista “Grammophone” y “Grabación Internacional del Año” de la ABC (Australian Broadcasting Corporation). Recientemente fue nombrado Director Principal de la Orquesta Filarmónica Janácek de Checoeslovaquia. Fue Director de la Orquesta Sinfónica de Ucrania desde 1992-2002 y al finalizar su contrato, fue nombrado “Director Laureate Vitalicio”.

Se desempeñó como Director del Festival de Música de Cámara de Australia y en la actualidad es el Director Musical de la Filarmónica de Fresno California, EE.UU.)  y Director Residente del Festival de Música en Kent Blossom, casa de verano de la Orquesta Sinfónica de Cleveland. Ha dirigido algunas de las orquestas sinfónicas más importantes del mundo como la Sinfónica de Berlín, la Filarmónica de Nordwestdeusche (Alemania), la Sinfónica de la Radio de Finlandia y la Sinfónica de los Países Bajos de Holanda. Dirigió y colaboró con muchos solistas renombrados como James Galway, Jessye Norman, Lynn Harrel, Itzhak Perlman, Yo-Yo-Ma, Sara Chang, Mstislav Rostropovich, Frederica von Stade, entre otros. En 1980 ganó el “Fromm Fellowship” de la Orquesta Sinfónica de Boston y durante este periodo estudió dirección orquestal con Leonard Bernstein, Seiji Ozawa, Sir Colin Davis y André Previn. Es graduado del prestigioso Instituto de Música de Cleveland en 1982 como un destacado violinista y con su grabación de obras del compositor norteamericano Walter Piston ganó el premio de “Disco del Año 2001” por Chamber Music América y la emisora radial WQXR.

En lo que concierne a sus actividades de esta temporada, resalta su tournée de 20 conciertos por los Estados Unidos de Norteamérica dirigiendo la Orquesta Sinfónica Checa. Hizo también su debut con la BBCC Symphony Orchestra con solo un día de aviso para dirigir el Ciclo de las Sinfonías de Brahms en el mes de abril. Al finalizar su participación con la Orquesta Sinfónica de Venezuela, el Maestro Kuchar dirigirá las orquestas más importantes de Cape Town, Johannesburg, Tel Aviv, Munich y Praga.

El Maestro Theodore Kuchar se unió a la OSV en marzo de 2011 para dar a la magistral agrupación una visión más actualizada y novedosa, y así emprender nuevos retos artísticos enmarcados dentro del principal objetivo: servir a Venezuela a través de la exaltación de sus valores musicales. Es el encargado de llevar la batuta a nivel de programación, procurando un altísimo nivel de calidad artística garantizando una ejecución de primer orden, cualidad característica de la OSV en cada una de sus propuestas. El maestro guiará la nueva temporada de conciertos internacionales con un repertorio de vanguardia que incluirá estrenos para Venezuela de obras de compositores destacados en el mundo. Con el sello Brilliant Classics el maestro Kuchar grabó el disco Bartók: Piano Concerto Nº 3/ Ravel: Piano Concerto in G major, como director de la Orquesta Janácek Philharmony con la solista Klára Würtz.

MÁS SOBRE LA ORQUESTA SINFÓNICA DE VENEZUELA

El 15 de Enero de 1930, un grupo de 26 ilustres y visionarios músicos se reunió en la Escuela de Música y Declamación de la Academia de Bellas Artes de Caracas (hoy Escuela Superior de Música José Ángel Lamas) por convocatoria del Maestro Vicente Emilio Sojo, reconocido pedagogo y factor aglutinante de la incipiente agrupación, para establecer los cimientos de la que habría que ser la institución más firme creada en toda la historia musical de Venezuela, hasta esa fecha. El 24 de Junio de ese mismo año la orquesta, conformada por 40 profesores, realizó  su primera presentación pública, dedicada, según reza el programa de mano: "... a los altos funcionarios del Estado, a los artistas, literatos y a la muy culta sociedad caraqueña...".

En sus  82 años de tesonera labor, la Orquesta Sinfónica de Venezuela, ha recibido la visita de notables figuras del mundo de la música, entre ellos: Wilhem Furtwängler, Igor Stravinsky, Eugene Ormandy, Otto Klemperer, Sergio Celibidache, André Kostelanetz, Héctor Villa-Lobos, Carlos Chávez, Pierre Boulez, Eduardo Mata, Mstislav Rostropovich, Jascha Heifetz, Henryk Szeryng, Arturo Rubinstein, Claudio Arrau, Martha Argerich, Yo-Yo Ma, Pablo Casals, Wilhelm Kemp, entre muchos otros.

Igualmente incontables son las obras, tanto nacionales como internacionales, que la Orquesta Sinfónica de Venezuela ha estrenado mundialmente o interpretado por primera vez en nuestro país.
Sus directores titulares han sido los maestros Vicente Emilio Sojo, Vicente Martucci, Ángel Sauce, Antonio Estévez, Gonzalo Castellanos, Georg Schmoehe y Eduardo Marturet.

Viaja por primera vez al exterior en 1951, realizando presentaciones en Lima, Perú y en Colombia en las ciudades de Barranquilla y Cartagena. En 1953 se presenta en La Habana, Cuba, en el marco de los actos de celebración del centenario del nacimiento de José Martí. Los conciertos tuvieron lugar en el Teatro Auditórium, el Palacio Nacional y en la Catedral de la capital de la isla. En 1964 interviene en el "Festival Casals" en San Juan de Puerto Rico. En 1976 viaja a Costa Rica y Panamá, presentándose al año siguiente en Managua, Nicaragua. Los países bolivarianos Colombia, Ecuador, Perú y Bolivia son visitados por la orquesta en 1980, y en el año 1981, año en que le fuera otorgado el título de "Patrimonio Artístico de la Nación", emprende una de sus más relevantes giras a seis países europeos: Holanda, Alemania, España, Suiza, Austria y Francia. En el año 1998 realiza otra importante visita, en esa ocasión a Portugal, donde se presenta exitosamente en la Expo-Lisboa 1998 y se convierte en la primera orquesta sinfónica en realizar un concierto en la historia de la ciudad de Funchal, Isla de Madeira. En el año 2005, en el marco de su Septuagésimo Quinto Aniversario, realiza una exitosa gira por varias ciudades de Italia en homenaje al Bicentenario del Juramento del Libertador Simón Bolívar en el Monte Sacro, Roma. En el año 2007, la orquesta regresa a Italia e igualmente se dirige a la Federación Rusa, siendo la primera orquesta venezolana en hacerlo, presentándose en las ciudades de Izhevsk, Votkinsk ("Festival Tchaikovsky"), Moscú y San Petersburgo, teniendo un éxito inimaginable, llevando la música venezolana a estas latitudes. Ya en el año 2008, vuelve a ser pionera ofreciendo una serie de conciertos tanto en Atenas como en Patras, Grecia.

En la década de los sesenta y principios de los setenta, el Maestro Pedro Antonio Ríos-Reyna, entonces presidente de la Sociedad, hace gestiones para conseguir un teatro propio para que la orquesta realizara sin contratiempos sus ensayos y conciertos regulares. Estando en estas diligencias, la muerte sorprende al maestro, pero la semilla de su sueño y el de la orquesta germinó, y el 19 de Abril de 1983, en el marco de un emotivo concierto, la Orquesta Sinfónica de Venezuela inaugura su sede permanente, la "Sala Ríos-Reyna", y con ella uno de los teatros de mayor relevancia y majestuosidad de América: el Teatro Teresa Carreño.

Desde sus inicios la Orquesta Sinfónica de Venezuela ha cubierto con creces las expectativas para las cuales fue creada, incursionando en todos los géneros posibles de la manifestación orquestal: ópera, ballet, musicales, música de cámara, series de conciertos, grabaciones de soundtracks, variados espectáculos sinfónicos, entre los cuales destacan conciertos didáctico-infantiles, navideños, de música folclórica y popular, rock sinfónico y tangos, entre otros. En cuanto a su labor didáctica, cabe destacar, además, que el plantel de profesores de la Orquesta Sinfónica de Venezuela ha sido el que inicialmente formó y sigue formando gran parte de los profesionales que hoy integra el movimiento musical venezolano.

La Orquesta Sinfónica de Venezuela hace sus mayores esfuerzos por hacer llegar sus notas musicales a cada rincón de nuestra nación a través de un programa radial transmitido dos veces por semana por Radio Nacional de Venezuela y otro por la 97.7 F.M., la Emisora Cultural de Caracas.
Su nombre actual es "Orquesta Sinfónica de Venezuela", conocida en el medio cultural venezolano como "La Sinfónica", es la orquesta decana de nuestra nación, está integrada por 85 profesores y realiza más de 70 conciertos al año dedicados a toda la comunidad residente en Venezuela, sin distingo de clases ni de nivel intelectual.

Actualmente cuenta con el maestro Theodore Kuchar como director artístico.



El viaje a Ithagdad

por Bruno Mateo


El pasado domingo 12 de febrero de 2012 se presentó el montaje teatral para niños “Odisimbad” (Ulyssindbad) de la actriz y dramaturga griega Xenia Kalogeropulu del grupo actoral Arte U bajo la dirección de Costa Palamides en la sala 1 del Celarg en Altamira, Caracas. El primer montaje de eta pieza fue en 1981 por la compañía teatral Mikri porta (The little door). La historia nos cuenta sobre el viaje que debe hacer el personaje Odisimbad para regresar a su amada tierra Ithagdad y por todas las aventuras que pasa antes de llegar allí. El hilo narratológico es el viaje de Ulises de vuelta a Ítaca, pero intervenido en el plano de la historia por la escritora. El texto es un discurso ecléctico de los episodios de la “Odisea” de Homero y otros relatos universalmente conocido, como Simbad el de “Las mil y una noche”, la autora usa, narratológicamente, el punto coincidente de ambos relatos: el viaje. El mensaje de la obra es que la felicidad no se encuentra en un punto, no tiene un destino, sino es la experiencia de vivir. La traducción del texto original en griego moderno la hace Costa Palamides.

En cuanto al montaje, puedo escribir que fue un trabajo agradable visualmente en cuanto al vestuario y la escenografía móvil que simboliza el barco de los personajes (marineros). Un buen acierto lo hizo Palamides al utilizar música y canciones en vivo. Un elemento muy atractivo para chicos y grandes. La puesta en escena es teatralmente correcta, o sea, cumple con todos los principios básicos de dirección, el director le imprime mucha dinámica al usar el elemento de la música y canto. Las actuaciones resultan bastante dignas, resaltando la veteranía de Nirma Prieto y la simpatía de Carlos Maza, aunque esto es cuestión de percepción. Costa Palamides en su rol de Odisimbad es convincente. Es entendible el hecho de que él también dirige y de alguna manera siempre está pendiente de la puesta en escena y eso hace que la atención se divida en dos funciones en el escenario: actuar y dirigir. La actriz Nakary Bazán tiene momentos muy buenos, sugiero que no desperdicie energía cuando no se amerita. La escena de los dragocíclopes es divertida, simpática y muy bien interpretada. El episodio de la taberna donde se habla solamente con la vocal “i” es mágica, se nota que los actores que intervienen allí están jugando a y creyéndose lo que “viven”. Mi única sugerencia es piensen sobre la duración del montaje. No sé si los niños (as) hiperactivos resistan tanto tiempo en una butaca.

Vayan mis felicitaciones a la agrupación por hacer un teatro infantil para niños inteligentes y sobre todo con mucho respeto a la dignidad de la niñez.

Las funciones son en la sala 1 del Celarg , Altamira hasta el 26 de febrero de 2012, a las 3 pm.

Desde mi butaca: Los transexuales también piensan

Los transexuales también piensan.
por Bruno Mateo


Obra: Novia en rojo
Autor: Edgar Moreno Uribe
Dirección general: José Gregorio Cabello
Actor: José Gregorio Becerra
Grupo: Teatro del Baco.
Fecha: domingo 29 de enero de 2012.
Lugar: sala de teatro 2 del Celarg, Altamira, Caracas.

Si un ser humano en una sociedad regida por un sistema cultural preestablecido y, que cumple con la normativa, muchas veces entra en conflicto hasta tal punto de querer cambiar los cánones, qué será de aquellas personas que ni siquiera se ven cómodas con su propia identidad de género; esta es la premisa del montaje de Novia en rojo del periodista Edgar Moreno Uribe, quien utiliza la vida del escritor (en sus primeros años) y luego escritora merideña Esdras Parras (1930-2012) para indagar en el mudo de la transexualidad, casi siempre, estigmatizado por la cultura heterosexista. El texto que está escrito en el género del reportaje-crónica hace que el montaje de la pieza sea distinto a lo que nos tiene acostumbrado el negocio actual del teatro venezolano (en la mayoría de los casos) donde se exige que aparezca una persona que actúe en televisión y cuyo texto, a juro, nos haga reír.

El trabajo de puesta en escena de José Gregorio Cabello es clásico, movimientos pausados, planta de movimientos básica, en forma triangular, el manejo del personaje Esdras fue tratado con mucho respeto, sin amaneramientos exagerados ni nada de “plumas y lentejuelas” muy acordes a la realidad ficcional de “Esdras” quien era una escritora intelectual, tal vez, se podría incluir más actividades para darle más dinamismo al montaje. El juego entre la actuación en vivo con la actuación en video está dentro de la actualidad que exige la utilización de imágenes y sonidos virtuales para atraer la atención del espectador. El primer acierto que tuvo Cabello fue la escogencia del actor José Gregorio Becerra por el parecido a la poeta Esdras Parras. Aquí se debe felicitar a Becerra por la respetuosa y digna interpretación del transexual intelectual venezolano.

El discurso de Moreno Uribe, a través de su personaje, es áspero para los oídos porque te lleva, justo a la raíz del problema de la doble moral y de la apariencia. Es interesante ver cómo a Esdras, quien pertenecía al círculo intelectual del Consejo nacional de la cultura y de pensadores de avanzada, que se supone son mentes abiertas a las revoluciones culturales y que son proclives a los cambios, se le censuró y se le criticó mordazmente, haciendo que ella, se refugiará en el poder intelectual que tuvo porque mucho de sus “amigos” le dieron la espalda cuando decidió cambiarse de sexo en Londres a la edad de los cuarenta y pico. Venezuela no estaba preparada, ¿lo estará hoy día?, para asumir la transexualidad en alguien inteligente y preparado en literatura y filosofía de la Ucv. El montaje atinó en el proceso de la construcción del personaje, el cual fue estudiado e investigado mucho antes de su presentación al público, eso se nota en el producto final.

Puedo concluir que este montaje es diferente, no hay que ir con ninguna predisposición de ver lo que se quiere ver, Se hace necesario abrirse, primero, a un texto dramático que laxa con la crónica reportaje y el periodismo de investigación, segundo a un transexual inteligente, culto y que va más allá de las etiquetas de la sexualidad.

Esta es una puesta para ser comentada porque se hace necesario que el Estado venezolano asuma, de una vez y por todas, una ley que proteja a la comunidad sexodiversa.

Desde mi butaca: "No se lo digan a nadie"

No se lo digan a nadie.
por Bruno Mateo.

Obra: “Los varones como hijos del silencio”
Autor: del texto original de Franca Rame y Darío Fó, bajo su nombre original “La Violación”
Agrupación Seza Producciones (Caracas-Distrito Capital)
Dirección general: Néstor González
Lugar: Sala Alternativa del Teatro Municipal "Pedro Elías Gutiérrez". Estado Vargas, Venezuela.
Fecha: Julio 2011

Este monólogo en versión del texto de Franca Rame y Darío Fó, trata sobre el delicado tema de la violación, en la dramaturgia original, el personaje central es una mujer, y según refiere el Director del montaje Néstor González es sobre la violación de la autora y esposa de Darío Fó. Aquí el personaje es un hombre, lo que aporta un elemento distinto por agregarse el componente machista al acto más denigrante que se le puede hacer a una persona: violarla. El encargado de representar a este hombre es al actor joven Yonyi Alberto Gutiérrez, egresado de la Escuela nacional de artes escénicas “César Rengifo” de Caracas, el intérprete supo entrar en a las sensaciones del personaje ficcional. Su cuerpo respondía a cada parlamento, lo que hizo que fuera una cónsona armonía de texto y acción. Los matices impregnados por Gutiérrez logran enganchar al espectador en su agonía. En este actor se nota que hay trabajo de voz y cuerpo. Si logra vencer las barreras naturales de la profesión del mundo escénico, podría convertirse en un actor reconocido. Lo aupamos para que siga.

En cuanto a la puesta en escena, puedo decir que fue un montaje elegante, sobrio, en donde cada desplazamiento del actor se encuentra plenamente justificado, González, no permite que el montaje caiga en un melodrama, que por la naturaleza del mismo se presta a ello, él se mete con un trabajo del teatro físico dee contención de energía para sellar aún más el dramatismo del texto. El desnudo del actor fue artístico, se muestra un hermoso cuerpo mancillado por una violación.

Concluyo, afirmando que en Venezuela existe generación de relevo, lo que hay a que hacer es permitir que los creadores emergentes pisen las tablas y abandonar el miedo al relevo.

Desde mi butaca: Una mantuana en la esquina de Cipreses

Obra: Joaquina Sánchez.
Autor: César Rengifo (1915/1980)
Director general: Ibrahim guerra
Lugar: Teatro Nacional (esquina de Cipreses, av. Lecuna, Caracas)
Fecha: 23 de julio de 2011.
Hora: 6 pm.

Una mantuana en la esquina de Cipreses.
por Bruno Mateo


El espectáculo dirigido por el reconocido director de teatro y televisión Ibrahim Guerra a propósito de la reinauguración del abandonado Teatro Nacional en la esquina de Cipreses del pleno centro de Caracas con base en el texto teatral histórico “Joaquina Sánchez” del venezolano César Rengifo (1915/1980) fue un verdadero deleite, el dispositivo escénico utilizado como escenografía impacta desde el primer momento. Dos sendas escaleras que se unen en un rellano plano a unos cuantos metros del suelo. La iluminación un poco expresionista con matices de rojos, azules pálidos obsequia al montaje una atmósfera que atrapa. Los cambios de vestuarios del personaje de Joaquina (lamento que no hayan podido repartir volantes) dan un verdadero aire de mujer mantuana del siglo XVIII en la Capitanía General de Venezuela; digo que lamento no saber el nombre de los actores porque algunos de ellos, como la actriz que hizo de Joaquina estuvo muy acertada, como el Comendador (Alcalde de Macuto), el pregonero, excelente voz, los actores morenos que personificaron a los esclavos atinados en sus papeles, en fin en líneas generales me convencieron. Cabe una mención especial el actor Alejandro Corona que dio un toque humorístico a tan terrible drama. En cuanto a la dirección de Ibrahim Guerra puedo decir que, nuevamente, atinó, como lo hizo con aquel Marat Sade (Premio Municipal de Teatro 2009) de Unearte en la sala Rajatabla, certeramente. Toda la puesta en escena, incluyendo el desplazamiento actoral era estrictamente marcado lo que hace que el montaje sea impecable. Siempre he dicho, como investigador de la obra de Rengifo, que los textos de este autor necesitan de un buen director de escena para insuflarle esa chispa viva en los personajes para que realmente vivan en la ficción del escenario. Los personajes rengifianos son arquetipos, símbolos y como tales se comportan. En este trabajo de Guerra me entusiasmó el hecho de trabajar con contradicciones entre la aridez del texto y la vivacidad de la puesta.

Para mí, desde mi butaca puedo decir que este montaje dio una dimensión de grandeza a la obra maravillosa de Rengifo y que fue una excelente manera de comenzar la programación del Teatro Nacional.

Desde mi butaca (nueva sección)

Cantan “Patria” desde el Principal.
de Bruno Mateo

Obra: Esa espiga sembrada en Carabobo.
Autor: César Rengifo.
Lugar: Teatro Principal (1931).
De Conde a Principal, Plaza Bolívar de Caracas.
Fecha: 22 de Julio de 2011.


A eso de las 5 pm me acerqué al recién inaugurado Teatro Principal (de Conde a Principal) en la Plaza Bolívar de Caracas para ver el montaje “Esa espiga sembrada en Carabobo” del dramaturgo venezolano César Rengifo (1915/1980). El ambiente que se sentía en los alrededores del teatro fue festivo, me dio la sensación de que los habitantes de la capital de Venezuela estaban orgullosos de lo que tienen. Celebro que el Gobierno de Caracas haya invertido una buena cantidad de dinero en la recuperación de este espacio que aumentará potencialmente la posibilidad de mostrar más montajes teatrales en la ciudad. La obra “Esa espigada sembrada en Carabobo” de Rengifo se inscribe dentro de su ciclo escritural que han llamado histórico. Este autor es uno de los pocos escritores de dramas que se (pre) ocupó de recoger hechos y personajes que marcaron el devenir de la Historia venezolana en dramaturgia. La estructura interna de la pieza escrita es una cantata (literalmente, la cantata es una pieza que se canta y se distingue de la pieza para ser tocada o «sonada» en acontecimientos católicos (la «sonata»), sin embargo cuando este género artístico llega a América ésta es utilizada para abordar temas políticos y sociales. La puesta en escena respeta estos parámetros, coloca unos tres músicos en vivo que se inscriben dentro del entramado teatral. El aire acondicionado del recinto puso frío el espacio, yo estaba sentado cómodamente en la butaca, cuando de pronto la productora del espectáculo grita: “¡Voy a dar sala”. Empiezo a sentir un “sustico” en la boca del estómago. La función comienza. Los músicos y actores hacen lo que saben hacer. El cuento de la pieza es sencillo, unos campesinos ven llegar a unos hombres con un cadáver a cuestas, preguntan quién es el difunto a lo que los recién llegados responden que era un soldado que falleció en la Batalla del campo de Carabobo, haciendo referencia a la épica Batalla de Carabobo del 24 de Junio de 1821 en Venezuela que sella la expulsión de los conquistadores españoles de Caracas, hecho que se logrará de manera definitiva en 1823 con la Batalla Naval del Lago de Maracaibo y la toma de las fortalezas de Puerto Cabello, fue entonces cuando, utilizando el recurso onírico, aparecen personajes arquetípicos que dieron su vida para la liberación de América del yugo europeo, tales como: Caupolicán (líder mapuche), Guaicaipuro (indígena venezolano), José Leonardo Chirinos (zambo revolucionario venezolano), la pareja José María España (uno de los primeros blancos en oponerse al Rey de España) y Joaquina Sánchez (la bordadora de la primera bandera venezolana), entre otros. Al finalizar este desfile de personajes aguerridos y a medida que cada personaje hablaba a manera de arenga y con sentimiento patrio, el público aumentaba su empatía , se podía ver en los ojos de los personas sentadas, cierto brillo, sus cuerpos se veían rígidos, expectantes. La música y las palabras de los actores se conjugaron para revivir un sentimiento de pertenencia que se permeó desde el escenario hacia las butacas y que fue rematado por la aparición de un personaje de un niño actual que irrumpe en el escenario y pregunta el significado de la Batalla de Carabobo, es un recurso “bretchtiano” un poco forzado, pero funcional; el niño distancia el hecho artístico para que el público reflexione.

Era un buen caldo de cultivo que permitió, aunque fuera por el tiempo que duró el montaje, crear un imaginario propio de nuestra venezolanía y que podía, de un momento a otro, gritar: ¡Viva mi Patria Venezuela!