A Lola el mundo le queda pequeño.

De izq a der: María Elena Duque/Margaret Aliendres

NOTA DE PRENSA.

A Lola el mundo le queda pequeño

Caracas.-El Teatro Tracodra, fundado en 1997, trae a escena el monólogo “El mundo pequeño”, con las actuaciones de María Elena Duque como Lola y Margareth Aliendres como su extraña acompañante, bajo la dirección de Carlos del Castillo.

No  dejes de ver a Lola en “El mundo me queda pequeño”. Original de Alexis Alvarado conocido con su seudónimo Bruno Mateo quien recientemente recibió una mención especial en el II Concurso de dramaturgia César Rengifo Fundarte 2012 con la obra “Ya no somos los mismos”.

“El mundo me queda pequeño” fue llevado a escena en el XI Festival de monólogos de Miami 2012.Ganador del Premio Dramaturgia 2012 GT Sigo en la Isla de Margarita, Venezuela. . Premio Mejor Vestuario (Efrén Porras Cardozo) y Mejor Dirección (Carlos del Castillo) Festival de Monólogos del Estado Vargas 1997. Un montaje con más de cien representaciones, dieciséis años en escena.

En el TEATRO ALTOSF, avda. Lecuna. Edificio San Martín, sótano 1, Parque Central (frente a la taquilla del estacionamiento. Muy cerca de las estaciones del Metro Parque Central y Bellas Artes. Caracas. Fecha 30 de julio de 2012 a las 6 pm. Colaboración Bs. 20. En el marco de FESTEA 2012

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Desde el 3 de agosto en la Sala Cabrujas de Chacao estará “El acompañante”

Foto de Simón Barrios Bravo

Desde el 3 de agosto en la Sala Cabrujas de Chacao estará “El acompañante”

Chacao.-  A menos de un año de la desaparición física del dramaturgo venezolano Isaac Chocrón (1930-2011) el grupo  Amarcorteatro nos trae a escena “El acompañante” una pieza escrita en dos actos para  dos personajes en la sala Cabrujas del Municipio Chacao.

De Isaac Chocrón dice el crítico investigador Orlando Rodríguez: “el autor se ha centrado más en el teatro, como dramaturgo y como director. Su temática ha tocado esencialmente comportamientos individuales, penetrando en la psicología de sus personajes y auscultando conductas conflictivas o situaciones que la sociedad ha rechazado habitualmente. De gran dominio de la técnica de construcción dramática, Chocrón ha probado en diferentes estilos, pero en él ha predominado la corriente realista…”

El momento es propicio para que los actores María Teresa Haiek y Domingo Balducci de la mano del debutante director  Daniel Mago nos muestren la dramaturgia de Chocrón a través de esta pieza.

De “El acompañante” se puede decir que es una obra deliciosamente escrita, con un tono de suspenso,  la cual  nos conduce a tropezarnos con Estela, una cantante frustrada con deseos de grandeza que  solicita un acompañante, José Lara, para que viva con ella la vaciedad de su vida, pero no se da cuenta de que mete en su casa a alguien totalmente distinto a lo que ella solicita.

Sobre María Teresa Haiek Cursó estudios en el Drama Center de Londres. Realizó un curso de producción teatral en Estados Unidos de América. En Venezuela participó en el curso de Juan Carlos Gené para directores. Taller dictado por Vladimir Peshkine. Licenciada en Filosofía de la Universidad Central de Venezuela y actual cursa estudios en la Escuela de Educación de la misma universidad. También de la maestría “Filosofía y ciencias humanas” de la UCV.

De Domingo Balducci. Actor, Docente y  Cantante Lírico. Comienza en el Canto Lírico con la profesora Lotty Ipinza, en el Taller de Técnica Vocal y Repertorio “Fedora Alemán”, participando como cantante y docente. Se desempeña como Profesor de Canto en el Taller Experimental de Teatro (TET) Recientemente, ha participado en el taller-montaje “Siete Piezas Cortas de Tennessee Williams” de Hebu Teatro, dirigido por Diana Volpe, en “Cabaret” de Magno Producciones, bajo la dirección de César Sierra.

“El acompañante” se estará presentando los viernes y sábados a las 8 pm, y los domingos a las 6pm, desde el 3 y hasta el 19 de agosto  de 2012, en la sala “Cabrujas”, ubicada en la Av. Francisco de Miranda con 3ª Av. De los Palos Grandes, al lado del C.C Parque Cristal, a una cuadra de la estación del Metro Miranda. Entradas a la venta en la taquilla del teatro.

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FESTEA 2012 DEL 23 DEJULIO AL 5 DE AGOSTO. LAS CRIADAS. De Jean Genet.

Foto:Miguel Gracia

Pathmon Producciones
10 años soñando, creando y representando al teatro venezolano.
Pathmon: anima, interviene y transforma.

FESTEA 2012 DEL 23 DEJULIO AL 5 DE AGOSTO.
LAS CRIADAS. De Jean Genet.
23 de julio  de 2012. 6 pm

Teatro Alberto de Paz yMateos.
Entrada libre.

La A.C. Pathmon Producciones sigue celebrando sus 10años de actividad artística en Venezuela. Esta agrupación artística integral fue creada con la misión de desarrollar programas, proyectos y propuestas quelogren el Desarrollo Cultural de nuestro país. De igual manera tiene elcompromiso de dar a conocer a la sociedad venezolana y a la regiónlatinoamericana y mundial el trabajo de creación de jóvenes actores,directores, productores, escenógrafos, músicos y luminotécnicos, y así lograrque en la justa medida los valore. Sus líneas de acción son: promoción,producción y formación.

Creadores del Festival Teatral de Autor FESTEA, festival de proyección internacional y del Festival Musical SOLO LETRA.Sus integrantes son especialistas en Letras, Música, Derecho, Artes Escénicas:creadores del Programa de Gerencia Teatral Creativa. Han impartido talleres yponencias en la Universidad de Costa Rica, Sede del Pacífico, UniversidadComplutense de Madrid, España. Universidad de Morón, en Argentina, UniversidadAutónoma de Chihuahua, en México, Universidad Ricardo Palma, en Perú,Universidad Santiago de Cali, Colombia. Forman parte del CongresoIberoamericano de Teatro Universitario organizado por la  AIATU. En Venezuela los integrantes de la asociación han dictado talleres y ponencias enUniversidad Central de Venezuela, ISUM, Universidad Nacional de las Artes yUniversidad Católica Andrés Bello. Así como en la Escuela Nacionalde Artes Escénicas César Rengifo. En este sentido desde el 28 de enero de 2002iniciaron sus actividades.

Por todo ello queremos seguir con la celebracióninvitándolos a la  9 ª Edición del Festival Teatral de Autor FESTEA2012,dedicado a IONESCO-GENET Y PINTER. FESTEA 2012 CUENTA CON 24AGRUPACIONES PARTICIPANTES E INVITADAS DE: VENEZUELA,BRASIL Y REPÚBLICA DOMINICANA: Guarro teatro, ACAE Arte Latente, A.C.HorusTeatro, Otoño Teatro, Sobretablas de Venezuela, Trascendencia teatro, CIA.Teatral Parafonia, CIA Teatral Lúdica, Centro Escénico/Teatro UNESR, EGProducciones, Grupo Teatral CICA, Grupo Teatral Veedú, Grupo TeatralTeatrotinto, Octava Luz, Teatro del Artilugio, ENAE César Rengifo, Obrapalabra,Umbrella Teatro; 4 Fuegos Producciones, Grupo Sabatino de Iniciación ActoralLABAN, La Tres Gracias,Producciones Mundo en Conexión Radio, Majumi Producciones y PathmonProducciones...

6 ESPACIOS ARTÍSTICOS ALIADOS: Teatro Nacional, Sala de Teatro Altosf, Espacio Artenativo, Teatro Alberto de Paz y Mateos, Laboratorio Teatral Anna Julia Rojas y Ateneo de Caracas. Asimismo cuenta con importantes apoyos institucionales. FESTEA 2012 ofrecerá al público caraqueño exhibición de obras de teatro, talleres y conferencias del 23 dejulio al 5 de agosto. Las entradas tienen un valor de 20 BS, excepto en el Teatro Alberto de Paz y Mateos que serán gratuitas y en el Ateneo de Caracas que costarán 25 BS. Por ello sugerimos estar atentos en el blog del festival a toda la programación. De igual manera la información completa de los Talleres la encontrarán en la dirección electrónica: festea.blogspot.com.

La inauguración se llevará a cabo en el Teatro Alberto de Paz y Mateos, el lunes 23 de julio a las 6 pm. PathmonProducciones presentará: LAS CRIADAS, de Jean Genet. Una historia que nos muestra ados criadas atrapadas en sus propias imágenes distorsionadas, atrapadas en ellaberinto de espejos de la condición humana. El autor nos expresa elsentimiento de impotencia y soledad del ser humano: en las voces de Clara y Soledad, todo ello a  través de una historia erótica, escatológica, escabrosay profundamente poética.  Su teatro es una danza de la muerte en la que los personajes son abolidos; reemplazados por símbolos. Genet nos contagia de su perversidad para librarse de ella. “Las Criadas” es una  obra en donde  lo ritual y lo dramático se mezclan para introducir al espectadoren una atmósfera de suspenso.  

Con las actuaciones  de Yohana Bello,Maigualida Gamero y José Gregorio Franquiz. La música original de Jackson Contreras y  Carlos Palacios. Diseño escenográfico de Iván Candeo. Diseño de vestuario de David Lovera. Diseño de Iluminación de Orlando Mejías. Producción:Max Coloma, Maquilladora y Fotografía: Dayana Gómez. Producción Ejecutiva:Pathmon Producciones. Dirección General: José Gregorio Franquiz.

Los esperamos: el LUNES 23 DE JULIO DE 2012. Hora 6 pm. EN TEATRO ALBERTODE PAZ Y MATEOS. Av. Andrés Bello. Prolongación Av. Los Manolos. Urb. Las Palmas. (Subiendo por Pollos Hermanos Riviera).  Vigilancia. Entrada libre.

Pathmon te invita a seguirnos a través de las redes sociales. Escríbenos a través de: pathmonproducciones@gmail.com, puedes seguirla programación con más detalle en: http://pathmonproducciones.blogspot.com. EnTwitter: @pathmonp. Y en Facebook: A.C. PATHMON PRODUCCIONES. y TODA LA PROGRAMACIÓN DEFESTEA 2012 EN: http://festea.blogspot.com. En Twitter síguenos por @FESTEA, oescríbenos a nuestro correo: festivalteatraldeautor.festea@gmail.com

Pathmon: anima, interviene y transforma.

La construcción de una identidad. Entrevista a Paolo Zanotti

El autor de “Gay. La identidad homosexual de Platón a Marlene Dietrich” polemiza en esta entrevista con la teoría queer a la que llama “elitista”. Además, una historia argentina del tema.

Por Luis Diego Fernandez

Uno podría leer Gay. La identidad homosexual de Platón a Marlene Dietrich, de Paolo Zanotti como una historia cultural, una obra que dialoga más con el pensamiento de filósofos como Didier Eribon, en cuyas Reflexiones sobre la cuestión gay , también realiza una operación genealógica similar –desde el siglo XIX al XX– pasando por los mismos tópicos estéticos y culturales que fortifican esta identidad. Zanotti emprende la construcción de una suerte de linaje literario, filosófico, cultural y artístico de la identidad homosexual que pasa de las ciudades como núcleos –Atenas, Florencia, San Francisco– a la matriz del dandismo en el siglo XIX como punto de partida de la homosexualidad identitaria. En diálogo con Ñ , el autor amplía estas ideas y se desmarca críticamente de la teoría queer .

Su trabajo está muy influido por Michel Foucault. ¿De qué manera definiría su presencia?

Yo no me definiría como un estricto seguidor de Foucault. Encuentro útil su filosofía para mi libro por haber señalado como central el fin de siglo XIX para la formación de la identidad homosexual –y la percepción social de esa identidad–, y también porque como hombre él perteneció a un período en los 70 en Europa, en el cual se sintió atraído por dos ideas contradictorias: la homosexualidad o las sexualidades irregulares o polimorfas y, por otro lado, la adopción del modelo identitario gay que venía de Estados Unidos.

La filosofía de Foucault es la base de la teoría queer , él proveyó el punto de inicio –la homosexualidad es una construcción moderna–. Aunque Foucault en sí mismo no se reconcilió nunca con su propia sexualidad el dio la matriz: el poder produce no sólo reprime la posibilidad de placeres. Pero creo que la teoría queer a veces tiene el mismo problema que la teoría literaria: señala las fracturas, las líneas de tensión, pero es más difícil cuestionar la construcción social en la vida real, por el simple hecho de que esa represión o tensión existe fácticamente, trabaja en nuestros cuerpos.

Usted define a Atenas, Sodoma, Florencia y San Francisco como utopías de la homosexualidad. ¿Podría ampliar un poco cuáles son las características centrales de esta utopía?

Las ciudades han sido siempre los lugares de deseo de los gays, y también de los historiadores de la homosexualidad. La ciudad de la Antigüedad le proveyó a los homosexuales del pasado lugares donde fue promovida y aceptada. Por otro lado, desde el punto de vista de los historiadores, Atenas y Florencia, son dos de los muy pocos casos donde tenemos fuentes que nos permiten reconstruir la homosexualidad y cómo existía una homosociabilidad. Eran ciudades donde los actos homosexuales eran dirigidos por una estricta noción jerárquica. Por otra parte, los homosexuales del pasado han tenido siempre fantasías acerca de las ciudades porque los grandes centros urbanos fueron –y todavía lo son– los lugares donde la comunidad homosexual puede formarse. Quizás otra analogía cultural es la que Proust marca entre los judíos y los gays. Desde que los judíos querían reconstruir Sion, los gays estuvieron tentados de reconstruir Sodoma. San Francisco es la ciudad que más cerca estuvo de ser la nueva Sodoma. Hay muchas razones para eso: California fue el estado más tolerante, una gran cantidad de hombres se quedaron en San Francisco durante la Segunda Guerra Mundial. Hoy creo que ha perdido su centralidad como ciudad gay. Lo que sí mantiene es su simbolismo.

Paolo Zanotti

¿Puede decirse que el dandismo del siglo XIX es la matriz que produjo el estereotipo de la identidad homosexual?

Sin duda. Algunos estereotipos surgieron en ese período. Y por otro lado, fue el momento en que muchos artistas expresaron en sus obras –para ser honestos consigo mismos, pero también para espantar a la burguesía– modelos de sexualidades irregulares. Pero también pienso que un número de estereotipos sociales preexistentes contribuyeron para favorecer la imagen del gay-dandy . Vivir tu vida como una obra de arte no es sólo un concepto de Oscar Wilde, sino el corazón de la ética del Antiguo Régimen.

¿Considera que hoy siguen vivas las ideas de dandies como Wilde, Proust o Gide?

Sí y no. No, porque hay una idea menos clara de lo que es una masculinidad normal. Pero el factor más importante comparado con el pasado es que el esteticismo de los 60 triunfó en nuestra sociedad, y lo absorbió el mercado. Susan Sontag planteó que el camp era el ideal estético del dandy . En ese sentido, todos somos dandies. Por otro lado, el modelo del gay dandy –glamour, androginia– se ha expandido a muchas áreas del star system musical. Por lo tanto es verdad que los artistas y los aristócratas diletantes no existen más. Sin embargo, hay muchas áreas que no pertenecen a la esfera de las actividades productivas: la cultura pop, la estetización del tiempo libre, el ocio, el hedonismo.

¿Cuál es exactamente la función de la diva en la formación de la subjetividad homosexual?

La mayoría de los íconos gay pertenecen a dos categorías: figuras trágicas –como San Sebastián o María Antonieta– e ídolos de la cultura pop. La primera categoría es clara: provee un modelo de identificación para los homosexuales reprimidos y además los hace formar parte de un código. El desarrollo de la segunda categoría es más reciente.
Seguramente, parte de que este éxito está conectado con la puesta en escena de los roles de género. Muchas mujeres íconos gay usan ropas similares a la estética de las drag queens . Madonna, por ejemplo, tomó concientemente esta tradición en su canción Vogue . Otra razón que considero importante es que el rol de la divas es similar a la función de las grandes ciudades: una pop star deviene popular a través de los hombres gay, sus conciertos eran lugares para encontrarse entre ellos. Este es el caso de Judy Garland o Kylie Minogue, quién además es una ferviente defensora de los derechos LGBT.

¿Si tuviera que marcar diferencias entre su libro y la teoría queer cuáles serían?

La mayor diferencia no reposa tanto en la teoría como en lo que soy. Yo escribí este libro en un país como Italia, donde en el mercado editorial no hay nada sobre esta temática, que se encuentre entre el ensayo político y el trabajo académico. Yo escribí este libro para explicar por qué la homosexualidad se convirtió en una identidad y, además, por qué lo hizo en el mundo Occidental donde las identidades son tan importantes. En mi óptica la teoría queer fue más el producto de este mundo que yo describo que una forma de explicarlo: no se pueden cuestionar identidades antes de que se desarrollen plenamente. Por otra parte, encuentro muchos de los trabajos de la teoría queer demasiado elitistas, como si tuvieran el orgullo de ser imposibles de leer, con su mezcla de jergas –mayormente francesas–. No puedo entender por qué creen que esos libros esotéricos y académicos pueden llegar a tener una acción política directa. En la mayoría de los casos, sólo le hablan a una pequeña comunidad académica. La teoría queer promete un mundo utópico donde las identidades son tan numerosas como las estrellas del cielo. Algo que me gusta, pero, ¿cómo sería en la práctica? En Italia, por ejemplo, se necesita una identidad gay fuerte, no débil, por razones políticas. Los roles de los géneros y las identidades sexuales no son ideologías abstractas que pueden cambiarse por una simple teoría, sino que atraviesan nuestra sociedad, nuestra psicología. Llevará generaciones cambiarla.

¿El cuerpo gay está en un proceso de mutación permanente?

Es verdad que los cuerpos “anormales” cambian más rápido, simplemente porque el cuerpo normativo pretende no ser un cuerpo. El hombre heterosexual no es un cuerpo, tiene un cuerpo. Mientras que los homosexuales son pensados para ser sus cuerpos. Esto es un estigma, una imposición, pero deviene una oportunidad. En general, creo que el cambio más grande en las sociedades occidentales viene luego de la Segunda Guerra Mundial, cuando los vestidos ya no identifican más a una clase social determinada sino un tipo de edad.

Usted señala que la estética camp es el principal aporte de la cultura homosexual a la estética moderna. ¿Cuáles serían las obras más representativas?

No estoy tan seguro que el camp sea la contribución más grande de la cultura gay a la estética contemporánea, pero sí que seguramente es la más famosa, por lo menos desde que Susan Sontag en 1964 escribió Notas sobre camp . La sensiblidad camp se originó en un contexto donde los hombres hablaban desde el closet, era como una suerte de código. Hoy creo que esa sensibilidad se ha vuelto absolutamente mainstream . Esa codificación doble como principio: cada obra tiene dos formas de ser interpretada, la fácil, y la irónica. Un ejemplo serían Los Simpson . Pero también lo podemos ver en los filmes de John Waters o los videoclips de Lady Gaga. El melodrama también es una parte importante de la estética camp , las películas de Douglas Sirk, Rainer Werner Fassbinder, Todd Haines o Pedro Almodovar.

En los últimos años la filosofía italiana se ha centrado en la categoría de biopolítica de Michel Foucault. ¿Se siente cercano a las ideas de Giorgio Agamben, Roberto Esposito o Toni Negri?

Soy un lector apasionado de los trabajos de Agamben y de Virno, de quien me gusta particularmente Gramática de la multitud . Allí reflexiona sobre cómo la multitud se convierte en “gente”. Creo que el pensamiento italiano está particularmente interesado en la biopolítica desde que la Iglesia, que tiene mucha presencia en la política, ha coptado el cuerpo individual como su bastión.

¿Pueden pensarse identidades sexuales como la bisexual, el transgénero o hasta la pansexualidad como parte de la tradición homosexual, o no?

Algunas categorías, como la bisexualidad, pertenecen a la misma tradición. El principal problema es que tenemos que reconstruir la categoría de homosexualidad en sus diferentes acepciones. En el mundo pre-moderno se pensaba en términos de actos, no de identidades sexuales, o simplemente de amor. Es evidente que no hay una clara diferencia entre homosexualidad y bisexualidad. El transgénero está también presente en la historia, quizá no tanto en Occidente como en Oriente. Creo que hay algo muy masculino en esta necesidad de hacer que tu identidad sea fuerte y segura. Eso no está tan presente en las mujeres, personalmente conozco mujeres heterosexuales que se han enamorado de otras mujeres en diferentes períodos de sus vidas, sin preocuparse demasiado acerca de su orientación sexual: simplemente se enamoran. La razón de esta diferencia de actitud subyace en la construcción de lo propiamente masculino.

Tomado de: http://www.revistaenie.clarin.com/ideas/psicologia/construccion-identidad_0_367163595.html

Comunicación, género y pospornografía

COLOQUIO

COMUNICACIÒN, GÉNERO Y POSPORNOGRAFÌA

11 DE JULIO DE 2012

Sala de Usos Múltiples. Centro Comercial Los Chaguaramos

PROGRAMA

5 pm -  7.30 pm.

5:00- 5:20 pm. PRESENTACIÓN. Comunicación, Género y pospornografía. Carlos Colina.Coordinador del evento.

5.20-5.30 pm. Ciberfeminismo. El manifiesto de la zorra mutante.  Lubiza Osio Havriluk.

5.30-5.40 pm. Hágalo usted misma  (do it yourself). Reflexiones en torno a la pospornografía en el ciberespacio.  Edixela Burgos.

5.40-5.50 pm. A propósito de Metro Zanahoria. Una lectura desde la pedagogía por la imagen.   Claritza Peña y  Alirio Peña

5.50-6.00 pm. Seducción digital pospornográfica.  Öscar Cáceres

6.00-6.10 pm. El stripper o las fronteras de la pornografìa.  Lìa Febres Cordero

6.10-6.30 pm. Refrigerio.

6.30-6.40 pm. Descifrando el cuerpo que cuenta y narra.  Alexis Alvarado

6.40-6.50 pm. ¿Se puede hablar de una puesta pospornogràfica en las artes plásticas y escénicas en Venezuela?   José Antonio Barrios.

6.50-7.00. pm. Erotismo y pospornografía en las masculinidades alternas presentes en cine venezolano. Mirna Mendoza.

7.00-7.10. pm. Anclaje en la Religión: Construcción de género y sexualidad.   Yamile Delgado de Smith.

7.10-7.20 pm. Pinta. Prison art; De la pornotopía a la postpornografía.  Morella Alvarado  y Carla Maldonado. Esta ponencia será enviada por  las autoras desde la Universidad de Baja California, Mexicali, México.

7.20-7.30 pm. Femen. Los senos como armas. Raymond Nedeljkovic.

Nuestra señora de las nubes. Teatro

La dramaturgia  de Arístides Vargas vuelve a Venezuela

“Nuestra Señora de las Nubes” nos habla del exilio en la Sala Cabrujas

Ganadora de 2 premios internacionales por mejor obra de teatro 

Después del éxito obtenido en el Festival Internacional de Teatro de Caracas 2012, llega nuevamente a la escena caraqueña la dramaturgia del  argentino Arístides Vargas (miembro fundador y actual director del grupo Malayerba de Ecuador). “Nuestra Señora de las Nubes” ganadora de varios premios internacionales y considerada una de las obras más importantes del teatro Latinoamericano contemporáneo, será representada por un  grupo venezolano. 

La cita es en la Sala Cabrujas de Los Palos Grandes, desde el viernes 13 y  hasta el domingo 29 de julio, con funciones los días viernes y sábados a las 8:00 p.m., y los domingos a las 6:00 p.m.

Con una marcada influencia autobiográfica la pieza  “Nuestra Señora de las Nubes” cuenta la historia, en un tiempo y espacio indefinido, de  Oscar y Bruna, quienes comparten la añoranza de un país perdido que fue suyo. Estos dos exiliados descubren el dolor y la soledad por el alejamiento de su propia tierra, y comparten memorias de su patria. Un lugar en los que han sido condenados a los estragos del tiempo y al claroscuro que va creando el olvido.

Estos dos personajes que poseen unas maletas como únicas pertenencias,  se van convirtiendo en muchos otros para contar la historia de su pueblo, y en los que constantemente van alternando entre las memorias del pasado y el presente intercambiando anécdotas de su experiencia como exiliados; sus sueños, necesidades, frustraciones, deseos, amores, olvidos y remembranzas.

 “Nuestra Señora de las Nubes”  es un sitio que sólo existe en la memoria de los expatriados. En este caso, la memoria como ejercicio colaborativo permite la construcción de un nuevo territorio al cual pertenecer, una nueva patria de los afectos en la cual sobrevivir, anhelar y recordar.

Según el director Luis Bernal "el exilio no es sólo el abandono forzado de un territorio, sino también el exilio de los afectos, de nuestros amigos, de nuestra religión y hasta de nosotros mismos.   “Los exiliados de nuestra implacable razón que hemos destinado insensatos, las exiliadas y exiliados de pensamiento. De ese pensamiento totalizador que los induce muchas veces al silencio. Sin duda alguna, una importante obra que mostrar en estos tiempos, respondiendo a la necesidad de hacer un teatro donde tengamos  la  capacidad  de ser oídos  y  más  aun  de tener  la osadía de romper con todos esos silencios.” 

El exilio en múltiples formas, son presentadas en la obra a través de una atmosfera onírica. En ésta propuesta escénica de Nuestra Señora de las Nubes veremos presente el realismo mágico, lo real maravilloso latinoamericano, el trabajo del imaginario, la poesía en acción, que va contribuyendo a que se logre el hechizo donde  cada quien haga diferentes lecturas de un texto riquísimo en analogías sobre la sobre la realidad de cualquiera de nuestros atormentados países.

Esta pieza teatral cuenta con las interpretaciones de la actriz Alma Blanco y el actor Luis Bernal quien también dirige, junto a Marisol Da Silva en la asistencia de dirección, Indira Jiménez en la producción, Efrén Rojas en el vestuario, José Pérez en la iluminación y Armando Zullo en el diseño de la escenografía y asesoría estética.

Producciones “Con los pies en las tablas” apuesta a esta joya de la dramaturgia latinoamericana contemporánea, que a través de un lenguaje poético e irónico, nos presenta una reflexión sobre el tema del exilio y el desarraigo.

“Nuestra Señora de las Nubes” se estará presentando los viernes y sábados a las 8 pm, y los domingos a las 6pm, desde el 13 y hasta el 29 de julio de 2012, en la sala “Cabrujas”, ubicada en la Av. Francisco de Miranda con 3ª Av. De los Palos Grandes, al lado del C.C Parque Cristal, a una cuadra de la estación del Metro Miranda. Entradas a la venta en la taquilla del teatro.

IIAVE ofrecerá taller de iniciación al payaso

Luciano Mansur y Dario Tamiazzo serán los instructores

IIAVE ofrecerá taller de iniciación al payaso

Caracas.- En el marco de la XI Muestra Internacional de Teatro y Títeres en las comunidades de Caracas, el Instituto de Investigaciones para el Desarrollo del Arte en Venezuela (IIAVE –Teatro de los Invisibles) organiza el taller “El clown, un subversivo legal”, que tendrá lugar los días sábado 7 y domingo 8 de julio. En esta oportunidad Luciano Mansur Nahra (Argentina) y Darío Tamiazzo (Italia), artistas del Teatro de Integración Latinoamericana serán los responsables de dictar la actividad.

Durante el fin de semana los asistentes podrán explorar y explotar sus potencialidades en la disciplina del clown. Luciano Mansur afirma que se trata de un encuentro de iniciación al payaso y que los puntos a trabajar son el presente de la situación escénica y el uso de lo que suceda; el fracaso y el compromiso con el ridículo; encontrar aspectos de la propia comicidad.

El taller va dirigido a adultos de 18 años de edad en adelante. Los participantes deben llevar ropa cómoda, una pelota similar a la de tenis o más grande, sombreros y bufandas que no sean de uso cotidiano. Mansur agrega: “Deben llevar muchas ganas de jugar y de volar para lanzarse al vacío y transitar las emociones”.

La cita es este sábado 7 y domingo 8 de julio, a partir de las 2:00 pm, en la mezzanina del edificio El Tejar, en Parque Central. La entrada es completamente libre y gratuita. Para más información puede llamar al (0426) 2262409 o seguirlos a través del facebook como Iiave Teatro Invisibles y en el twitter como @Red_IIAVE

II Concurso nacional de dramaturgia breve "Gilberto Pinto" 2012

El Ministerio del Poder Popular para la Cultura, a través de Fundación la Casa Nacional de las Letras Andrés Bello, convoca al siguiente concurso literario con el propósito de estimular la creatividad de los escritores y escritoras venezolanos y por extensión contribuir con la promoción de la lectura en nuestro país.

Bases del concurso

1. Pueden participar todos los escritores y escritoras venezolanos (as) o extranjeros (as) residenciados en el país.
2. Los textos deben ser inéditos, escritos en español y no estar comprometidos en su participación con otro concurso.
3. Cada autor o autora podrá participar con una o más obras de teatro breve.
4. Los y las aspirantes deben enviar en sobre cerrado cuatro (4) copias del material impreso y una versión digitalizada en CD de una obra de teatro breve con una extensión no menor de sesenta (60) cuartillas y no mayor de cien (100) dirigido a la Coordinación de Promoción y Eventos de la Fundación Casa Nacional de las Letras Andrés Bello, Mercedes a Luneta, parroquia Altagracia. Caracas 1010, Venezuela. Teléfonos: (0212) 562 55 84 / 562 73 00.
5. Las obras deben ser firmadas con seudónimo. En sobre aparte se incluirán los datos personales del autor (a): nombres y apellidos, cédula de identidad, dirección, teléfonos, correo electrónico y reseña biográfica.
6. El concurso está dotado de un premio único de tres mil bolívares (Bs. 3.000).
7. El plazo para la recepción de las obras será hasta el 02 de noviembre de 2012. La premiación se realizará durante la 9na Feria Internacional del Libro de Venezuela (Filven) 2013.
8. Los originales no premiados no se devolverán y se destruirán una vez divulgado el fallo del jurado.
9. El jurado estará integrado por tres escritores de reconocida trayectoria, cuyos nombres serán anunciados oportunamente.
10. La decisión del jurado será inapelable.
11. La Fundación Casa Nacional de las Letras Andrés Bello se reserva el derecho de publicar la primera edición de la obra ganadora.
12. Lo no previsto en las bases será resuelto por el jurado y los organizadores.

public-ARTE. Julio 2012. Maritza y sus muñecas de trapo. Entrevista

Maritza y sus muñecas de trapo. Entrevista

Por Bruno Mateo

Maritza Cabello, actriz, profesora de castellano y literatura de la Upel, muñequera

1.      Bruno Mateo: Quiero darte la bienvenida a este espacio en Publicarte, el periódico de la cultura en Caracas, me gustaría iniciar, preguntándote, ¿qué es una muñeca artesanal? ¿es lo mismo que una muñeca de trapo? ¿por qué hacer muñecas de este tipo, cuando el mercado ofrece tantas muñecas de alta tecnología?

Maritza Cabello: Una muñeca artesanal es la “muñeca de trapo” que se fabrica básicamente a mano. Los materiales usados para su elaboración son hilo y tela. Se aprovecha la tela en todas sus formas. Todas las partes de la muñeca se hacen de este material, desde los ojos, boca y el cabello. Es importante aclarar esto, porque también hay muñecas de trapo que se hacen con materiales plásticos para los ojos, la boca y usan versiones de nailon para el cabello. Son hechas con tela, pero industrializadas, fabricadas en serie. Lamentablemente hemos sido invadidos por esta sustituta en algunos de nuestros pueblos. Ahora ves por las carreteras muñecas tipo “fresita” como si fuera nuestra tradicional muñeca de trapo. Esa no es. Nuestra muñeca. ¿Por qué fabricar muñecas artesanales hoy? En primer lugar, por amor, sí. Cuando la abuela o la madre toma una sábana vieja y la convierte en un “ser” especialmente para ti, no tiene comparación. Para la persona que las hace se traduce en una especie de meditación. Mientras creas, piensas cómo combinar, cómo hacer tal o cual cosa y lo mejor es que se tiene una idea al principio de lo que quieres hacer, pero esos seres de tela, deciden como serán. ¡Sorprenden! Para el que lo recibe, pienso que es agradecimiento, ternura, además sabe que es única.

¿Por qué la computadora no desplazará el libro? Hay miles de versiones de Barbie, pero las muñecas de trapo siempre están y estarán  presentes.

2.      Bruno Mateo: ¿De dónde proviene esa fascinación suya por las muñecas de trapo, hoy llamadas muñecas artesanales?

Maritza Cabello: Cuando era niña no jugaba con muñecas. Prefería los juegos al aire libre y con los varones. Siempre quedaba inconforme con los regalos del Niño Jesús, pero un día  me trajo una máquina de coser en miniatura que cosía de verdad. Hasta ahora la recuerdo, Comencé a fabricar vestiditos para las muñecas. Con el tiempo descubrí que tenía facilidad para las  manualidades. Probé otras, pero siempre terminaba cosiendo. Me fascina la tela. En mi adolescencia compartía mi tiempo libre entre el teatro y la fabricación de adornos, tapetes, hasta sábanas. A mis 18 años conocí a María Angélica Campos. Una Directora y actriz teatral que fabricaba muñecos con su papá, el Sr Hernán Campos en La Candelaria y los vendían en la Sabana que siempre era de día y en el Ateneo de Caracas en Bellas Artes. Necesitaban alguien que los ayudara, así que con ellos aprendí la técnica para coser muñecos a mano y a  máquina, aprendí a cortar, a ahorrar la tela, a organizar un taller. Luego comencé a realizar mis propios modelos. A plasmar mi lenguaje. Nació mi muñeca urbana, inspirada en la tradicional venezolana.

3.      Bruno Mateo: Tus profesiones oficiales son profesora de castellano y literatura y actriz, ¿hay alguna relación entre ellas dos y la fabricación de muñecas artesanales?

Maritza Cabello: Todo tiene relación. Soy actriz-muñequera-docente. No separo. Mi primer salón de clase, un cuarto grado de la Escuela Fe y Alegría “Andy Aparicio de la Vega” en 1993  era un teatrino gigante. Los niños hacían muñecos, escribían guiones, representaban y así aprendían la lección del día. Eso lo he hecho siempre con sus variantes, claro. Ahora tengo dos proyectos: Un libro y un trabajo teatral, en ambos las protagonistas son mis muñecas.

4.      Bruno Mateo: ¿Las muñecas artesanales son juguetes o elementos decorativos? ¿Para qué sirven las muñecas de trapo?

Maritza Cabello: Las muñecas son lo que quieras. Son todo. En principio un juguete que fascina a un niño, pero que arranca la bondad de un adulto.

5.         Bruno Mateo: Cuando haces muñecas, en qué piensas. Ellas (las muñecas) ¿sólo son para niñas?    Cuéntame tu fantasía en un mundo de muñecas.

Maritza Cabello: Pienso en materializar lo que veo, lo que me gusta de mi gente. Mi muñeca es una mujer curvilínea, rellenita, acicalada, muy adornada. Es la representación de la mujer venezolana. Cuando las hago converso con ellas, las regaño, las felicito. Entro, tal vez en  el juego que no hice de niña o tal vez juego con la niña que soy.

Ahora la hago madre, embarazada, pariendo o con muchos hijos, pero siempre bella. Sus hijos son producto del mestizaje. Hago escenas que de alguna manera nos representan, según mi criterio.

Las muñecas, que también pueden ser muñecos son para todos. He dictado talleres a niños, niñas, hombres, mujeres y te digo, se han dado casos donde los mejores trabajos son los que hace el sexo masculino adulto.

6.  Bruno Mateo: Quiero agradecer que nos haya regalado un tiempo de tu vida, ¿quisieras agregar algo más?

Maritza Cabello: Sí. Hay algo que me inquieta. Nosotros tenemos una herencia de muñequeras en nuestros pueblos. La muñeca que hacían las abuelas, que eran hechas de retazos y con las características que describí anteriormente. Muchas no usaban ni usan máquina. Las hacen enrolladas o rellenas siempre con trapo. Me preocupa que las sustituyan por esas muñecas tipo  “Fresita” la verdad no tengo nada en contra, también son bellas, pero no son las nuestras. Creo que eso está pasando, porque se ha dejado de enseñar su fabricación. Ya se están yendo nuestras abuelas. Así que decidí dictar talleres para difundirlas y establecer diferencias. Felicito al Estado Falcón que tiene un salón para la muñeca de trapo. Es uno de los Estados que más ha cultivado este arte y apoya las muñequeras de su región.

Agradezco esta oportunidad. Hay pocos espacios para hablar de este trabajo artesanal. Aprovecho para pedir  apoyo a las muñequeras de nuestro país.



Ellas son las más fuertes.

Ellas son las más fuertes.

Por Bruno Mateo

Caracas, 2 de julio de 2012

Dentro del XI Encuentro de institutos de formación teatral se presentó el domingo 1 de julio de 2012 a las 3 pm en el Teatro Nacional en Caracas, la pieza La más fuerte de August Strindberg (Estocolmo 1849-1912)  proyecto llevado a cabo por el recién y felizmente aparecido grupo Las tres gracias conformado por actrices egresadas de la Escuela nacional de artes escénicas César Rengifo y de la Ucv. Esta pieza de dos personajes femeninos-solo una habla, “Señora X”; la otra escucha, “Señora Y” (Amelia) nos muestra cómo las relaciones amorosas entre tres puede perjudicar la vida de los involucrados. La relación triangular: dos mujeres, un hombre. La mujer que habla se refleja en la mujer que escucha. Al final, las dos son víctimas de su condición de ser mujer. Mujer destinada, al momento en que se escribió el texto acaso no en este momento histórico en que vivimos, a complacer al hombre.

            La puesta en escena y dirección general de Sheila Colmenares es atrevida. Atrevida en tanto tropicaliza una obra sueca con elementos propios de nuestra identidad: el bolero, el chiste que esconde el juego verbal sexualizado de los latinoamericanos, la voluptuosidad de las mujeres. La puesta es una especie de híbrido. Una mezcla de técnicas de actuación: la organicidad, el varieté, la interacción directa con el público, los movimientos propios de la biomecánica, todos con los boleros de La Lupe cantados  en vivo.  El montaje pasa de la comicidad;  de la diversión al drama; de la cantante simpática  a la mujer amante de un hombre casado envuelta en su propia baja autoestima; de la mujer irónica a la mujer rabiosa por estar atada a un hombre que no la ama. Es un trabajo muy rico en matices. Tal vez, no apto para ojos puristas del teatro. A aquellos espectadores acostumbrados al género natural y gracioso del teatro les chocará el montaje.

            En cuanto a las actuaciones, Estephanie Carrizales, quien interpreta a la “Señora Y (Amelia)” desbordó sensualidad en el escenario. Su voz sonora y melodiosa quedó en perfecta armonía con la cadencia del bolero. Sus reacciones frente al monólogo de la “Señora X” fueron espontáneas y coherentes con las palabras oídas. Muy buena su interpretación. “La Señora X” fue desarrollada por Vanessa León. Su interpretación estuvo muy acorde con la puesta. No era la típica mujer sufrida. Era una mujer voluptuosa que viene a reclamar, irónicamente al principio , a la amante de su esposo, pero después vemos cómo se transforma en una mujer con mucha rabia contenida. Su voz se escuchaba fuerte y contundente en todo el teatro. Ambas interpretaciones son dignas de admirar.

            Concluyo, invitando al grupo Las tres gracias que continúen el duro sendero del teatro. Les aseguro que comenzaron con buen pie.