jueves, 29 de septiembre de 2016

Él escribió "La furia de Dios". Apacuana 2016 (Entrevista a Jesús Farías Rojas)

Jesús Benjamín Farías Rojas
Jesús Benjamín Farías nació en la ciudad de Puerto La Cruz, Estado Anzoátegui (1969), Profesor de Educación Integral y Licenciado en Teatro mención actuación, labora en la unidad Educativa “Antonio José Sotillo” impartiendo clases de teatro, y en universidad Nacional de las Artes (UNEARTE). Ha trabajado con las siguientes agrupaciones de la zona, Puertoteatro, Tabla Abierta (De la cual es miembro), Juana la Avanzadora, Fusión Creativa, y el Teatro Estable de Barcelona donde fue dirigido por Kiddio España. Ha realizado distintos talleres en el área de formación teatral, entre los que pueden destacarse Taller de “Formación permanente de teatro” a cargo de Pablo Ramírez, Taller de “Iniciación a la dramaturgia” con Carlos Delgado Sánchez, Taller de “Docencia teatral” con Humberto Orsini, Taller “Desarrollo del personaje” con Matilde corral, Taller de Dramaturgia con Xiomara Moreno, Taller de guión de cine a cargo de Juan Ramón Pérez, entre otros. Entre las obras que ha escrito se cuentan: Murciélagos en tu vientre, Con olor a flores agonizando, Niña vieja, El canto erótico de los gatos, El Remedio, El Fogaje, A la tercera va la vencida, Ave de rapiña (Ganadora del premio Autores inéditos de Monte Ávila Editores-2006), Lamento de esclavas, Oscuro y frío como una tumba, No me beses en los labios, Yo soy la Sáenz (Ganadora del Concurso Nacional de Literatura del IPASME Mención Dramaturgia- 2010), Eulalia, Las aguas negras (Mención especial en el IV Concurso de obras teatrales “Marita King”-2013), El Pleito” (Segundo lugar en el III Concurso “Por una Venezuela literaria” Homenaje a Rodolfo Santana -2013), El último de los guaiquerí, Aroma de Orquídeas, Preludio, Godo, Josefina la Cantora o el pueblo de ratones (Ganadora del Premio Municipal de teatro de Calle-2014), Bichito Raro” (Mención de honor en el concurso internacional para textos teatrales Leopoldos Alas Minguez -2014), Misa en una capilla ardiente, De Utero Nomio La Avanzadora” (Ganadora del III Concurso Nacional de Dramaturgia Gilberto Pinto-2013” y Ganadora del Premio Municipal Luis Brito García 2015.), Gallito de pelea, Que brille para nosotros la luz perpetua, La furia de Dios (Ganadora del Premio Apacuana Dramaturgia Nacional 2016)


ENTREVISTA.

Bruno Mateo: Hola Profesor Jesús Benjamín Farías Rojas,  gracias por concederme esta entrevista para mi blog ciudadescrita, mi primera pregunta apunta directamente a la dramaturgia, ¿Cómo ve usted la dramaturgia venezolana en la actualidad?

Jesús Benjamín Farías Rojas: Hay una tendencia a la escritura relámpago, a lo brevísimo, a lo inmediato, a lo de “ya pá ya” que realmente preocupa.

BM: ¿Usted piensa que la dramaturgia actual venezolana hace referencia a su propio imaginario?

JBFR: Se pudiera pensar que no, pero cuando uno lee a Elio Palencia, a Gustavo Ott, a Roberto Azuaje, a Gennys Pérez, a José Antonio Barrios, a Karin Valecillos, se da cuenta que hay gente que está escribiendo y está comprometida con su país y su entorno, claro, yo me estoy remitiendo a mis lecturas reciente, de repente puede haber otros que desconozco o que aún no he leído.

BM: ¿Qué es una o un dramaturgo? Le hago esta pregunta en virtud de que veo, como crítico de teatro e investigador, en estos tiempos que   alguien escribe un episodio de su vida o de alguien   y lo pone en escena y dice que es dramaturgo sin tomar en cuenta el estilo mismo de escritura.

JBFR: El otro día conversando con un amigo y a raíz de un artículo que yo había escrito sobre mi proceso como escritor, un amigo y yo tuvimos una conversación   que guarda mucha relación con eso que dices, comentábamos la falta de compromiso de las nuevas generaciones que dicen que quieren escribir, la falta de compromiso con el oficio, de seriedad con el oficio, de entrega, antes un escritor se formaba leyendo, y no era cualquier cosa que leía, se formaba leyendo a los clásicos, era como una aspiración a la perfección, ahora hay como una ligereza, tanta inmediatez, tanta banalidad, y es que no leen a la gente que tienen que leer, a un Mupassant, a un García Márquez, a un García Lorca, por hablarte de un autor por género,  les da pereza y pretenden llamarse escritores. Yo creo en el oficio, de esa manera absoluta de la que hablaba Truman Capote en el Prólogo de Música para camaleones, o Herrera Luque que escribía varias veces sus textos, creo en el trabajo duro, y me exijo al máximo, cuando termino una obra se las envío a los amigos que yo sé que me van a decir la verdad, que van a enfatizar las fallas, que les van a ver las fisuras, a mí no me interesa que me halaguen las obras cuando estoy en un proceso de revisión, no me funciona. Ahora, con respecto a lo de dramaturgo, yo pienso que un dramaturgo debe tener una responsabilidad social, moral si se quiere con la sociedad que les toca vivir, Moliere, y Wilder fueron unos dioses en su tiempo, aunque de Wilder, a lo mejor por ese sentimiento derrotista insertado en nosotros amé su caída, lo mismo puede decirse de las tres divinas gracias aquí mismito en nuestra historia del teatro reciente.

BM: Profesor Farías Rojas, ¿usted escribe para quién?

JBFR:Esa es una pregunta difícil de responder, hay tanto narcisismo en todo hecho creativo, no se… En mí es una necesidad, yo no puedo vivir sin escribir, no me concibo, los meses más amargos de mi vida, los más tristes son los meses que he pasado sin escribir una letra, escribo sobre temas que me duelen, que me perturban, que me quitan el sueño, que me rediman, y si esa escritura llega a una persona, la conmueve, la modifica, bueno, se hizo la tarea.

BM: ¿Usted considera que tiene un estilo propio y sí es así, ¿cuál sería?

JBFR: Es difícil hablar de un estilo propio, sobre todo en dramaturgia, donde cada obra tiene su propio proceso, su forma particular de contarse, los personajes hablan, se mueven, viven, no es lo mismo, por ejemplo, escribir sobre la disfuncionalidad de una familia hoy día como en Ave de rapiña donde los adolescentes protagonistas despotrican con su lenguaje callejero, donde cada parlamento es una agresión, que escribir sobre niños bien como en Oscuro y frío como una tumba que también tienen sus formas de violencia verbal, a pesar de que es el mismo tiempo, se manejan diferentes códigos de comunicación,  ni siquiera en el teatro histórico se puede establecer una línea,  escribimos de Ramos Sucre tratando de recrear la exquisitez de su lenguaje y contrasta con los negros que se comen las palabras en La Avanzadora que a su vez choca con la manera de hablar de los blancos de esa misma obra. Ahora bien, en mis obras hay situaciones, personajes que se repiten, la madre castradora, la que abandona a los hijos, el padre ausente, la abuela con toda la coloratura que puede tener una abuela, el adolescente delicado, el inteligente y el malandro, la niña buena y la mujer- niña que quiere que la pierdan, la muchacha decidida que rompe con todo los convencionalismos.

BM: He leído de su dramaturgia textos de temática de la sexogénerodiversidad como “Bichito raro”, ¿tiene algunos otros textos con esta temática?

JBFR: Sí, mi primer trabajo en este sentido fue No me beses en los labios, una obra sobre la soledad y la no aceptación, también escribí Las aguas negras que es una pieza sobre el poder enmarcado en las noches callejeras de los travestis que tienen que sobrevivir no solo a la violencia de los otros si no a la ejercida por ellos hacia ellos mismos, es una obra muy dura, me costó mucho escribirla.

BM: ¿Por qué escribe dramas con esta temática?

JBFR: Es parte de mi responsabilidad social como dramaturgo, para mi toda forma de discriminación es un atropello a la dignidad humana, y en ese sentido escribo obras que expongan esta situación con toda sus nefastas consecuencias, por otra parte es mi contribución en la lucha por la visibilización, por la dignificación, por la aceptación si se quiere, las gentes sexogénerodiversas no son los comedores de niños que ha evidenciado la leyenda negra y a través de la cual las sociedades hetero normativas han sentado sus bases, es gente que trabaja, que asume seriamente sus responsabilidades, que se enamora y desenamora, que aún con sus problemas consigue tiempo para reír, y ahora que tienen oportunidad de criar hijos lo hacen con todos los aciertos y desaciertos que se pueden cometer en ese proceso, un proceso humano.

BM: Ahora, si es tan amable, hablemos de “La furia de Dios”  texto ganador del Premio Apacuana 2016 que otorga el Centro Nacional de Teatro, el cual fue develado el 23 de septiembre de 2016 ¿de qué va la obra?

JBFR: Es una obra histórica, fabulo con lo que pudo haber pasado en la batalla de Cumaná que acaeció en el año catorce, un año atroz a decir de muchos historiadores, que lo describen anteponiendo el terrible año catorce. Cumaná es protagonista principal de la obra, los personajes hablan de ella, de lo que está sucediendo, de lo que está por suceder, son siete mujeres entre negras, indias, mestizas y blancas, todas desplazándose de manera coral o individualmente por la cocina que llena el escenario, tomando decisiones, despojadas de las caretas que imponen los convencionalismos, y en medio de ellas la figura de Boves atravesando la obra de principio a fin.

BM: ¿Para qué escribe una obra con un hecho histórico nacional?

JBFR: Para desmitificar tal vez, para equiparar con las situaciones que se repiten hoy y que sucedieron ayer, en Godo por ejemplo, teatralizo los momentos más importantes del Marqués de Casa León, es un personaje que viste de azul cuando empieza la obra, pero que se viste de verde cuando esta con Monteverde, de blanco cuando está con Miranda, de amarillo cuando está con Bolívar, de rojo cuando está con Páez, es, pues, una alegoría del país.

BM: Hablemos un poco del teatro histórico, ¿es necesario un teatro que nos hable del pasado ahora cuando las sociedades apuntan a la inmediatez o como dicen los holísticos “el aquí y el ahora”?

JBFR: Es necesario, nosotros debemos conocernos, conocer nuestro pasado, para terminar de una vez con todas con este proceso inconcluso que ha sido Venezuela a lo largo de su historia, y no estoy hablando de su historia reciente, a veces me da la sensación de que Venezuela es un país en permanente construcción.

BM: Usted como docente en Anzoátegui, ¿cómo observa las nuevas generaciones que hicieron de las artes escénicas, específicamente, del  teatro, su profesión’ ¿es el teatro una profesión?

JBFR: Es una generación muy ganada al hecho creativo, jovenes que están asumiendo su papel de artistas con toda responsabilidad, mi experiencia reciente en La Practica Dramática Integrada fue realmente reveladora, eran las niñas del primer curso de actuación, quienes asumieron la cátedra con toda seriedad, la manera como confrontaron el trabajo de análisis de las escenas que estábamos trabajando, como resolvieron los problemas de producción, su entrega a lahora de los ensayos que quedó plasmada en la muestra final, pero también están los muchachos de los otros grupos del PNF Teatro, daba alegría ver como el Arte Escénico como un hecho colectivo

BM: Muchas gracias profesor Farías Rojas por esta entrevista, ¿le gustaría dejar una reflexión a esos jóvenes que están metiéndose en el teatro y realizan sus trabajos escénicos en la actualidad?

JBFR: Que el teatro se hace con pasión, no hay otra palabra, que la pasión es la emoción que mueve al teatro, es la única manera de que pueda funcionar.

lunes, 26 de septiembre de 2016

La Primera Piedra



"La Primera Piedra" de la agrupación cultural Espacio Contemporáneo, llega a la Sala Doris Wells de la Casa del Artista, ubicada Blvrd. Amador Bendayán, en Caracas.

Obra escrita y dirigida por Maritza Elizabeth Rojas y producida por Keylah Dugarte. "La Primera Piedra" une la danza, el teatro y la música para generar poesía escénica; con personajes que recrean una historia que invita al reencuentro con los principios vitales de igualdad, sin distinciones de raza, credo, condición social, sexualidad y género. Éste último, que en apariencia siempre se ha considerado un hecho inalterable por la familia, la sociedad y la religión pero, que es algo más complejo y que nos hace ver “más allá de los que los ojos ven”, sinceridad necesaria para un mundo que antepone el prejuicio como esencia en sus vidas y se resisten a sucumbir ante el amor por el otro.
Con las actuaciones estelares de Keylah Dugarte y Leandro Martínez, acompañados por un equipo técnico y artístico, conformado por Carlos Rivero, Dionys Fuentes, Ronelba Barreto, María Luisa Cediel y Federico Hernández González.


Las funciones de "La Primera Piedra" están programadas los días 13 de octubre a las 6 p.m. y 03 de noviembre a las 6 p.m. en la sala Doris Wells de la Casa del Artista. Puedes adquirir las entradas en preventa a través del teléfono 04129955813 o al correo escontemporaneo@gmail.com. Puedes seguir a la agrupación Espacio Contemporáneo por las redes sociales: @escontemporaneo

domingo, 18 de septiembre de 2016

“El beso de la mujer araña” en Chacao.

Francisco "Pancho" Salazar es Molina
Por Bruno Mateo
@bruno_mateo

Cuando todo nos parece quieto es que hay algo muerto en nuestro cerebro”.
Marcel Proust

La novela “El beso de la mujer araña” (1976) del argentino Manuel Puig fue llevada a montaje teatral por Humberto Ortiz, el cual se lleva a cabo en el Centro Cultural Chacao CCCH desde el 09 de septiembre de 2016, con las actuaciones de Francisco “Pancho” Salazar en el papel de Molina, Jhonny Rivas como Valentín y Arnaldo Mendoza es el Jefe de Prisiones.

La adaptación de esta novela a texto dramático resulta un reto para cualquier creador porque no es fácil transformar una historia que posee varias historias colaterales a la historia principal amén de que usa los pies de páginas como textos expositivos y argumentativos sobre la homosexualidad; es por ello que esta adaptación de Ortiz se centra, principalmente en la relación afectiva de estos dos personajes quienes conviven en una misma celda , Molina, cuarentón homosexual detenido por corrupción de menores y Valentín hecho preso por sedición durante la Dictadura Argentina de José Rafael Videla autodenominada Proceso de Reorganización Nacional. La adaptación obvia los textos sobre la homosexualidad y hace énfasis en un amor más bien filial, sin embargo, las miradas de pasión y enamoramiento, muy bien logradas, por cierto, de Francisco Salazar, como personaje, sobre Valentín no deja dudas sobre la homosexualidad de éste.

La puesta en escena se focaliza en un pequeño espacio de dos camas y una pequeña mesa a la derecha de público. No hay grandes movimientos ni desplazamientos de los actores. Sólo los necesarios. Es un poco llevado como un drama estático, no tan puro como puede ser la obra de Fernando Pessoa “O Marinheiro”, pero sin con desplazamientos y movimientos limitados por la acción dramática de la palabra.

Las caracterizaciones de los personajes principales, Molina y Valentín, llevadas a cabo por Francisco Salazar y Jhonny Rivas son contundentes, logran a través de sus ritmos un ritmo general del montaje de mucha tensión, cuando la debe haber, y de una energía latente de amor y deseo, por parte de Molina y de amistad, de parte de Valentín. El desplazamiento de Salazar nos refiere a esa mujer pantera de la película relatada en escena o de esa mujer araña que teje para amarrar a su macho ; mientras que Rivas le imprime a ese político idealista una inocencia casi infantil que se desvive por serle fiel a sus causa.


Esta vez la adaptación de “El beso de la mujer araña” logra mantener el espíritu de la novela de Puig y es completada por las interpretaciones de sus actores quienes logran caracterizar a los personajes, a pesar de que está el recuerdo en  los  espectadores de las magníficas actuaciones de Raúl Julia como Valentín, William Hurt como Molina y la participación de Sonia Braga y su mujer pantera en la película de Martin Babenco en 1985.

sábado, 17 de septiembre de 2016

La mano de Irina.

Por Bruno Mateo
@bruno_mateo.

Este viernes 16 de septiembre de 2016 en la sala 1 del Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos Celarg se estrenó la pieza “En la palma de tu mano” una adaptación hecha por Román Chalbaud de la película “Irina Palm” (2007) de Sam Garbarski estrenada en el Festival Internacional de Cine de Berlín con las actuaciones de Gladys Prince,  Juan Carlos Lira, Andreina Mesa y Joan Manuel Larrad bajo la producción de Yackeline Salazar (Q.E.P.D).

Un montaje compacto en cuanto a dramaturgia, interpretaciones y puesta en escena. Una necesidad familiar obliga a una abuela tradicional en el Soho de Londrés  a realizar un trabajo que para la Sociedad está al margen de la moralidad se convierte en  el hilo conductor de esta interesante historia en donde los valores se comienzan a cuestionar y nos damos cuenta que en una cultura materialista parece que la premisa de Bertolt Brecht “Primero hay que comer, luego viene la moral” en “La Ópera de Tres Centavos “es la que prima entre las personas.

Entre actuaciones en vivo e imágenes cinematográficas transcurre la trama que poco a poco al estilo aristotélico se desarrolla; el diálogo posee el estilo mordaz y sarcástico que caracteriza a Chalbaud en donde lo escatológico se vuelve risible. Los elementos escenográficos fueron precisos y nos ambientaron en cada uno de los lugares exigidos por el discurso teatral. El escenario se nos divide en tres lugares  específicos; casa del matrimonio joven, oficina del dueño del  prostíbulo y una pantalla que nos sirve para recrear varios espacios; la iluminación también aportó su ingrediente para crear las atmósferas necesarias que se requerían.


En la palma de tu mano” es un trabajo escénico de una hora que nos convierte en vouyerista de los intríngulis de una familia necesitada y que hace lo que sea por cubrir sus necesidades.

miércoles, 24 de agosto de 2016

Cipriano Castro, una figura de poder demonizada.


Caracas, 30 de junio de 2016

Original de Bruno Mateo

INTRODUCCIÓN.

La figura de Cipriano Castro (1858-1924) fue invisibilizada en estos tiempos que corren y fue sometida a una matriz de opinión desfavorable por los medios internacionales de comunicación de su época; “Cipriano Castro durante muchos años estuvo ausente en el inconsciente colectivo nacional, por cuanto quienes gobernaron al país en la última centuria (1908-1998), -salvo algunas excepciones- se encargaron de invisibilizarlo, de mantenerlo bajo perfil  en la historia nacional” (Espinoza M. 2014 08 de diciembre. Cipriano Castro: Ejemplo de dignidad nacional. Aporrea. Recuperado: http://www.aporrea.org/tiburon/a199486.html); ahora bien, ¿por qué? Haré un repaso diacrónico de la historia del llamado “Cabito”, apodo que se le dio a Cipriano Castro,  con el fin de reflexionar sobre las razones de ese ataque mediático por parte de los medios.

 Las acciones de Cipriano Castro se contextualizan en un momento en que la política de los Estados Unidos es agresiva, la cual se encuentra bajo la égida de La Doctrina Monroe; “América para los americanos”, entendiendo que América son ellos nada más. Los Estados Unidos, con base en el Corolario Roosevelt a la Doctrina Monroe, se convirtieron  en un ente vigilante que obligaba a cualquier nación a pagar sus deudas. Castro al entrar a Caracas con el triunfo de la Revolución Liberal Restauradora el 22 de octubre de 1889 se encuentra con una Venezuela endeudada por lo que pide ayuda a los banqueros nacional quienes se niegan a hacer a la República los préstamos solicitados por lo que Castro los envía a la cárcel de la Rotunda,  lo que desencadena la Revolución Libertadora, acaudillada por el banquero Manuel Antonio Matos, financiada por el “trust del asfalto” que  pretendió derrocar a Cipriano Castro, esta Revolución buscó sacar a los andinos, restaurar los viejos sectores de poder e implantar una política entreguista del país. Castro   se niega a pagar las deudas con las potencias extranjeras, Gran Bretaña, el Imperio Alemán y el Reino de Italia,  quienes, descaradamente, piden  resarcir las deudas de sus súbditos en Venezuela  por las pérdidas causadas en  las guerras civiles pasadas.; estos dos grandes factores motivan al bloqueo de las costas venezolanas en 1902 hasta 1903, y el 9 de diciembre de 1902, Cipriano Castro hace su famosa proclama “¡Venezolanos! La planta insolente del Extranjero ha profanado el sagrado suelo de la Patria”. 

Esta proclama se convierte en el epítome de su posición antiimperialista y lo convierte en el enemigo de las potencias, pero también insufla el sentimiento de Patria a los venezolanos y hace eco en el mundo, se comenzaron  a realizar manifestaciones en apoyo a Castro en distintas partes del país; luego del bombardeo a Puerto Cabello el 13 de diciembre de 1902, las flotas extranjeras intentan forzar la barra de Maracaibo, pero son repelidas por los cañones nacionales. No sólo en Venezuela se enarbola el espíritu de amor a su nación, si no que se expande a muchos países del Sur. Un ejemplo de ello, los cadetes de la Escuela Militar de Chile colocaron su foto en su Institución y diariamente le hacían el saludo militar.
La Proclama simbolizó el primer grito antiimperialista de Latinoamérica que, lamentablemente, no fue apoyada por ninguna nación de  la región, aunque los acontecimientos del bloqueo a las costas venezolanas  ya estaban adquiriendo demasiada gravedad, las noticias  comenzaron a circular y a despertar un gran interés en el ámbito internacional, en Europa, desde los sectores liberales y socialistas,  la opinión pública empezó a alzar la voz en contra del bloqueo; “el público inglés se sentía descontento con la alianza en aquella aventura con Alemania, la cual ya entonces se perfilaba como la rival económica y militar de Inglaterra; rivalidad que estalló en 1914 en la primera guerra mundial (Arraiz, 2009).El apoyo más contundente en Latinoamérica  provino  del Canciller argentino Luis María Drago (1859-1921) quien enunció su tesis contra el cobro de deudas públicas de las potencias contra naciones pequeñas que fue aprobada en la III Conferencia Panamericana de Río de Janeiro, Brasil en 1906, bajo el nombre de Doctrina Drago, la cual dice: “El cobro compulsivo e inmediato , en un momento dado, por medio de la fuerza, no traería otra cosa que la ruina de las naciones más débiles y la absorción de un gobierno, con todas las facultades que le son inherentes, por los fuertes de la tierra” (Arraiz, 2009).
La figura de Cipriano Castro ganó, en muchas ocasiones, simpatías de propios y extraños, pero también, enemistades, igualmente ocurrió con los medios de comunicación. Los éxitos en campaña de Castro contra los Caudillos quienes pretendieron derrocar a su gobierno en unión con Manuel Antonio Matos y el fracaso de la “Libertadora” además de su posición patriótica frente al bloqueo de potencias extranjeras contra el país hicieron que muchos periódicos oficiales y particulares alabaran su figura; “El Constitucional” y “La Restauración Liberal”  prensas  de Caracas se encargaban a diario de ello. Adjetivos como “el epónimo”, “el siempre invicto”, “el salvador de la Patria”, “el San Jorge armado del honor nacional” eran recurrentes en las páginas de los diarios.

Cipriano Castro entra entonces en otra etapa; se ve libre de enemigos internos y externos, por lo cual, comenzó a dilapidar lo que con gran esfuerzo había conseguido, el poder. El Presidente se ve envuelto en escandalosas celebraciones, en fiestas desenfrenadas, entre adulaciones de sus adláteres y zalamerías de los consorcios favorecidos. Esta situación es aprovechada por las potencias extranjeras y comenzaron una campaña mediática contra la figura de Cipriano Castro, desde muchas partes del mundo, demonizan al líder de Venezuela, se publican en periódicos de los Estados Unidos y de Europa contra “la arrogancia”, “intemperancia” y “arbitrariedad” del “Cabito” más de tres mil caricaturas del mandatario venezolano.

A diferencia de los medios internacionales que hicieron de la figura de Cipriano Castro un epicentro de sus constantes burlas a través de artículos y caricaturas. (Ver, Cipriano Castro en la caricatura mundial. Caracas, Instituto Autónomo Biblioteca Nacional-FUNRES, 1980).

CONCLUSIÓN.

Esto me hace reflexionar sobre la importancia del Caudillo vencedor de Caudillos  y su influencia sobre las naciones pequeñas latinoamericanas y su pensamiento de autodeterminación de los pueblos  y su posición antiimperialista, las cuales, evidentemente, ponen en conflicto la idea de colonización y avance del capitalismo  en el mundo de las potencias extranjeras y, sobre todo, de la potencia emergente, los Estados Unidos.

REFERENCIAS
Arraiz, Antonio. Una Galería para Miraflores. 1º edición 2009. Imprenta de la Cultura- Caracas. 2009.
Caballero, Manuel. Gómez, el tirano liberal  (Anatomía del poder). 1º edición.1993. Editorial Melvin. Caracas.1993
Cipriano Castro en la caricatura mundial. Caracas, Instituto Autónomo Biblioteca Nacional-FUNRES, 1980


lunes, 15 de agosto de 2016

¡Ay! Misias Marías en el entierro de Yohnaikel.

Por Bruno Mateo
@bruno_mateo

Este pasado domingo 14 de agosto de 2016 se presentó en el Teatro Catia ubicado en la calle Colombia cerca de la Plaza Sucre, conocida popularmente como Plaza Catia, el montaje teatral  “¡Ay! Misias Marías”, en tono de humorada travesti, escrita y dirigida por Wilfredo Tortosa (Trankilino) con las actuaciones de Jorge Dákar, Jesús Blanco, José Gregorio Franquiz, Israel Blanco y Badyr Paracuto  en los papeles de las distintas Marías.

El trabajo escénico utiliza la participación de la audiencia a manera de animación lo que permite lograr unos momentos de franca diversión en donde el público asistente juegan a hacer a teatro con los actores y participan activamente en el desarrollo de la trama que no es más que el velorio del marido de una de las Marías. La puesta en escena representa el velatorio. La urna es el centro de la puesta mientras que los asistentes forman parte de este peculiar sepelio. La planta de movimientos en forma de teatro circular permite visualizar los vericuetos de las acciones. Los actores con sus vestuarios de mujer arrancan hilaridad de inmediato. La música nos refiere a series de televisión de una época gloriosa y a una animosidad contagiosa.

Los actores logran graficar cada uno de sus personajes y mantienen las características personales que se corresponden a sus nombres María Sacrificio (Jorge Dákar), María Resignación (Jesús Blanco), María Suplicio (José Gregorio Franquiz), María Martirio (Israel Blanco), María Tormento (Badyr Paracuto);  ellos logran una entrega total con el  ritmo y la energía que se emana en el momento de la representación. Cabe destacar que los actores Jorge Dákar y José Gregorio Franquiz  agarran a sus personajes desde el principio al fin y se convirtieron en los consentidos del público, esto sin desmerecer al resto del elenco.


“¡Ay! Misias Marías” es un montaje que recoge lo que sucede, en la actualidad, en un velorio, desde los chistes, chismes, la tomadera de aguardiente hasta la grotesca escena del pistolero que echa unos balazos al aire en homenaje al muerto.

domingo, 14 de agosto de 2016

En el tronco de un olivo o la invisibilización del pueblo Palestino.

Por Bruno Mateo.
@bruno_mateo

En agosto del 2016 se presentó en el Teatro Nacional de la icónica esquina de Cipreses en Caracas el montaje escénico “En el Tronco de un Olivo” de la Agrupación cultural Amaka bajo la Dirección de Jericó Montilla a partir de poemas de Isaías Cañizales (premio de poesía Paz Castillo), la poeta Rafeef  Ziadah (1979) , el poeta Tawfiq  Ziyad (1922) , la poeta Suheir  Hammad  (1973) y el poeta  Mahmud  Darwishse (1941) con el elenco compuesto por    Valentina Cabrera (Premio Municipal de Teatro 2015), Marcela Lunar, Ximena Zapata (Artista FCNV),Nani Serrano, Sara Azocar que tiene como premisa la denuncia de las atrocidades realizadas al pueblo Palestino en estos tiempos contemporáneos.

El montaje conjuga la danza, el movimiento, el teatro y  algunos elementos circenses cuyo significante escénico es la imagen; imágenes poderosas que se cuelan en el imaginario del espectador cuya finalidad es la reflexión sobre lo percibido. Las intérpretes  nos van dibujando en escena la historia de una joven nacida entre los troncos del olivo, árbol, por excelencia palestino, y la guerra. Los cuerpos de las actrices poseen plasticidad en escena ya la manera de un cuadro de Edvard Munch (1863-1944) nos expresan vínculos entrañablemente humanos. Sus voces juegan con distintos tonos de acuerdo a las emociones que van apareciendo en cónsona relación con la palabra de la poesía.

El vestuario diseñado por Jericó Montilla y Marcela Lunar es un acicate para remover la comodidad del espectador en las butacas; todos los elementos escénicos sacuden al público y nos trasladan a esa tierra que han tratado de esterilizar mediante bombardeos constantes bajo la mirada indolente de los países.  

La puesta en escena de Montilla logra la escalada aristotélica a pesar de no tener un texto dramático , por el contrario, son textos poéticos, no obstante, conduce el montaje desde un punto inicial hasta un final pasando por un punto máximo de confrontación.


En el Tronco de un Olivo” es una puesta distinta a las puestas tradicionales teatrales que nos encanta porque logra traducir la poesía en movimiento.

domingo, 26 de junio de 2016

“Simón, el luna”. Un canto a Venezuela.

Juan Badilla y Fernando Garantón en la escena de Simón, el una y el loco Juan Carabina
Por Bruno Mateo
@bruno_mateo

Este sábado 25/06/2016 se presentó con un buen nutrido público “Simón, el luna” pieza de teatro escrita y dirigida por Moisés Rivas para el público infantil  en el legendario Teatro Municipal de Caracas bajo la producción del mismo Moisés Rivas y Marisela “Coco” Seijas  con  el elenco:  Rafael Monsalve como Vicente / Caballo viejo , Juan Badilla como Simón , Jhuraní  Servellón como Blanquita / La vaca azul, Fernando Garantón como Sr. de las llaves / Loco Juan Carabina y Aquiles Herrera como Tocorito.

Simón, el luna” es un trabajo sólido con un objetivo claro y un significante atrayente.  Con música del fallecido cantante Simón Díaz y arreglos  de Nicolás Boada Rossi y Álvaro Rojas como hilo conductor de la pieza nos atrapa amén de la dramaturgia coherente y cohesiva en cuanto a su argumento y estructura dramática. Un solo bloque bien blindado. La puesta en escena limpia y con un planta de movimientos justa y precisa, en la cual nada sobra ni nada falta. La escenografía de Erlen Zerpa y pintura escénica de Edward Parúh funciona en este sólido todo escénico. Escenografía simbólica que aparte de ser un objeto escénico estéticamente atractivo, es funcional para el desarrollo de la pieza. La iluminación del veterano David Blanco nos da los distintos cuadros emocionales del montaje: el miedo en el cuarto 888, la dulzura y gracia de la vaca con el niño Simón,  la calidez con el caballo viejo Patroclo, la melancolía y el misterio del niño Simón, el luna con el Loco Juan Carabina. El vestuario de Omar Borges nos grafica las características de los personajes.
Las interpretaciones de los actores en cada uno de sus trabajos  además de su dominio vocal en el canto nos refieren a  unos actores depurados en sus técnicas y con un buen alcance en las dimensiones de sus creaciones. Hay que hacer un aparte especial en el joven actor Juan Badilla, quien con su trabajo de Simón, el luna impacta a la audiencia ya que posee un dominio del escenario en tan corta edad. Le auguro muchos  éxitos en su carrera como actor.


Simón, el luna” es un canto a la venezolanidad. Es un espectáculo que me da mucha esperanza en el teatro infantil que en estos últimos tiempos  del siglo 21 no busca un propio lenguaje ni un contenido profundo y reflexivo

sábado, 25 de junio de 2016

Premios de la Crítica Teatral Venezolana 2016

El martes 28 de junio de 2016
ENTREGA DE LOS PREMIOS
DE LA CRÍTICA – 2016
LA ASOCIACIÓN VENEZOLANA DE CRITICA TEATRAL (AVENCRIT) HARÁ ENTREGA DE LOS PREMIOS DE LA CRÍTICA DEL AÑO 2016

            El próximo martes 28 de junio de 2016, en el marco de la celebración del Día Nacional del Teatro, a partir de las 5:00 p.m., la Asociación Venezolana de Crítica de Teatro (AVENCRIT), efectuará, la IV edición de Los Premios de la Crítica - 2016. Este importante acto será efectuado en la Sala “Juana Sujo” de la Fundación Casa del Artista, situada en el Bulevar “Amador Bendayan” de Quebrada Honda, Caracas.

Desde 2013, un grupo de críticos teatrales, profesores / investigadores como periodistas culturales, se constituyeron como gremio organizado. Su objeto: “el desarrollo y el fomento de la actividad teatral en la crítica y las investigaciones teatrales así como la elevación del nivel cultural del pueblo venezolano en todo lo relacionado al género teatral”.

Bajo estas premisas, su actual Junta Directiva conformada por el Lic. Carlos E. Herrera (Presidente); el Profesor y comunicador social, Luís Gustavo Chacón (Vicepresidente); el Lic. Luís Alberto Rosas (Tesorero); el Lic. Joaquín Lugo (Director de Medios) y el Lic. Walter De Andrade (Director de Relaciones Institucionales) buscan dar prosecución a, una de sus banderas: dar continuidad al reconocimiento del quehacer del sector teatral a través de su Premio de la Crítica.

En una estricta visual, se reconocerá tras haber constatado un amplio universo de montajes exhibidos en el lapso 2015, un universo de setenta y uno (71), nominados, de los cuales serán reconocidos / premiados a través dieciséis (16) rubros o categorías, a saber: Dramaturgia; Dirección; Actuación Principal (masculina como femenina); Actuación de reparto (en sus dos vertientes); Producción; Iluminación; Escenografía (que, este año, llevará el nombre del desaparecido creador, “Rafael Sequera”); Vestuario; Dirección de Teatro para niños; Productor de Teatro para niños así como los renglones de Actor y Actriz de Teatro para niños.

AVENCRIT concedió desde ya su Premio Especial de la Crítica - 2016 a los centros de formación teatral: Escuela Superior de Artes Escénicas "Juana Sujo", Escuela Nacional de Artes Escénicas "César Rengifo" y Escuela Municipal de Teatro "Porfirio Rodríguez", tres instituciones que han formado, forman y esperemos que sigan formando a hombres y mujeres de teatro.
Un evento que, se está constituyendo con el pasar del tiempo, en referencia del reconocer y honrar al quienes a lo largo de un lapso, apelan a la creatividad, la fantasía, la imaginación en palabras y acciones, en historias como en personajes fascinantes en las tablas del país.

El Premio de la Crítica - 2016, en esta nueva edición ha contado con el respaldo y solidario apoyo de: Fundación “Casa del Artista”; Alcaldía de Caracas, Fundarte, Queiroz Publicidad, la Empresa Zulia y de un notorio grupo de artistas y talentos nacionales como el cantautor, Pablo Granadino; la participación del grupo Afrodiartes, jóvenes actores de DiploArtes y el respaldo de estudiantes de la Escuela Nacional de Teatro “César Rengifo”.

Al finalizar, se ofrecerá un brindis en la Terraza de la Casa del Artista, gracias a Empresa Zulia. Se garantiza seguridad así como acceso de estacionamiento vigilado, aledaño a la institución. ¡ENTRADA LIBRE!



AVENCRIT: ¡Con todos!